1° Rencontre mondiale du mouvement d'Art Résilience

La 1° rencontre mondiale des membres d'Art Résilience, en visioconférence le samedi 27 mars, a été un grand succès. Les artistes des quatre côtés du monde ont pu suivre des exposés de 11 participants et ensuite dialoguer.


The 1st world meeting of members of Art Resilience, by videoconference on Saturday March 27, was a great success. Artists from all four sides of the world were able to follow presentations by 11 participants and then dialogue.


Ksenia Milicevic

Ksenia Milicevic
Ksenia Milicevic

 Art in France


The Art Resilience movement is already seven years old. Currently, the movement has 80 members from 30 countries. Of course, most of them are artists, but the movement is also supported by people from other professions who have the same conception of art.

Apart from sharing a conception of art based on aesthetics, Art Resilience works to bring together artists so that they can get to know each other and distribute their work more widely. The International Art Resilience Fair is also organized for this purpose.


I will briefly discuss the art situation in France. The French artistic field is dominated by contemporary art, with installations, performances, bio art, video art, etc. Little space is left for painting or sculpture, so it has very poor visibility.

The domination of contemporary art in France is explained by the direction and orientation of art by public authorities. It is an institutionalized art through art centers and grants.

Art education also follows the orientation of the Ministry of Culture, especially since at the National School of Fine Arts teachers are not recruited by competitive examination, but appointed by the Ministry.


The reasons for this are numerous :   the residues of history. For a very long time artists have been dependent for their work on religious orders or orders from the aristocratic class. During the French revolution, the State took over through the Academy of Fine Arts and controlled all artistic production.

At the end of the 19th century and the beginning of the 20th century, artists demanded more freedom for their creations, hence the formation of many avant-garde movements. The movements were very numerous but none of them were dominant in relation to the others.

But after the Second World War and geopolitical tensions, art became more and more politicized. In 1959 the Ministry of Culture was created and in the 1980s the Ministry of Culture created the Contemporary Art Center (the Cnap) which will direct and guide all artistic creation. We can read in their credo "The Cnap implements a set of support mechanisms, exhibition, co-production and commissions intended to support artists and contemporary art professionals (gallery owners, publishers, art restorers or even art critics) in their projects. It disseminates professional information for artists and relays calls for applications and job offers in the artistic sector ".

 So, through the Cnap all artistic production is directed  and what does not fit into the "contemporary" framework is sent back to small galleries or other structures with very little visibility. Faced with considerable sums that the State distributes in subsidies and orders, the market follows and the artists, already formatted by the School of Fine Arts, find it difficult to resist this pressure.


Since Romanticism circulates an idea of the artist, who’s expression comes from the depths within him, therefore thoughtless, not very educated, distracted, irreverent, unable to deal with practical questions, disturbed by his psyche. And unfortunately, one gets the impression that artists often bow to this vision. For all these reasons there is a call for resilience in art. It is the artists who decide what art is. Artists who do not comply with fashions, ideological or commercial pressures.

 We cannot deny contemporary art, it does exist, but it is about clarifying the categories. Indeed, if we analyze the productions of contemporary artists, a different nomination is necessary for these forms of expression, because in all these productions it is a question of entertainment, or claims of any kind, and not of art. The entertainment of a leisure society. Maybe we just need to find another name and allow art to flourish at the same time.*

With the Covid pandemic we can expect changes. After this crisis which will have repercussions on the economy, will the State continue to subsidize these productions ? Difficult to answer this question.


In April 2020 UNESCO launched ResiliArt Movement, Résilience Art Mouvement, (the coincidence with our movement is curious), urging States to come to the aid of artists during and after the Covid and at the same time to promote artistic diversity. 110 countries have joined. It is difficult to know if this would weaken the domination of contemporary art and allow art to flourish, or create even greater confusion. The same question is about visibility on the Internet.


Art Resilience was founded to claim resilience in art so that it finds its aesthetic foundations, but as well, this movement calls on artists not to depend on all kinds of manipulations and to take charge of themselves. Artists who are most often isolated, by coming together they may not depend on dominant ideas and work according to their perceptions, visions and knowledge of art. And it is precisely the knowledge of art that has been destroyed. 

Thank you, and I leave the place to the artists who will speak to us today about the art situation in their countries.  


* The most suitable nomination is: Political imagery

given the politicization of art since the beginning of the 20th century and the evacuation of the aesthetic foundation in this type of production.


Art en France

Le mouvement Art Résilience a déjà sept ans.  Actuellement, le mouvement compte 80 membres de 30 pays. Bien sûr, majoritairement il s'agit des artistes, mais le mouvement est soutenu aussi par des personnes d'autres professions qui ont la même conception de l'art.
 A part de partager une conception de l'art qui repose sur l'esthétique, Art Résilience  œuvre à regrouper les artistes afin qu'ils puissent se connaître entre eux et diffuser plus largement leur travail. Le Salon international Art Résilience est organisé aussi à cette fin.
J'aborderai brièvement la situation de l'art en France. 
Le champ artistique français  est dominé par l'art contemporain, avec des installations, performances, bio art, vidéo art, etc. Peu de place reste pour  la peinture ou la sculpture, qui ainsi ont une très faible visibilité.

La domination de l'art contemporain en France s'explique par la direction  et orientation de l'art par des pouvoirs publics. Il s'agit d'un art institutionnalisé à travers des centres d'art et des subventions. 
L'enseignement d'art suit aussi l'orientation du Ministère de la Culture, d'autant plus qu'à L'École nationale supérieure des Beaux-Arts les enseignants ne sont pas recrutés par  concours, mais nommés par le Ministère. 
Les raisons de cette situation sont nombreuses : des résidus de l'histoire ou pendant très longtemps les artistes ont été dépendants pour leur travail des commandes religieuses ou des commandes  de la classe aristocratiques. A la révolution française, c'est  L'Etat qui a pris la suite à travers l'Académie des Beaux-Arts et contrôlait toute la production artistique. 
A la fin du XIX siècle et au début du XX les  artistes revendiquent plus de liberté pour leurs créations, d'où la formation de nombreux mouvements d'avant garde. Les mouvements ont étaient très nombreux et aucun d'entre eux ne domine sur les autres.  
Mais après la seconde guerre mondiale et les tensions géopolitiques, l'art se politise de plus en plus. En 1959 est créé le Ministère de la Culture et dans les années 1980 le Ministère de la Culture crée Le Centre d'art contemporain ( le Cnap) qui va diriger et orienter toute la création artistique. On peut lire dans leurs credo  "Le Cnap met en œuvre un ensemble de dispositifs de soutien, de coproduction d’exposition et de commandes destinés à accompagner les artistes et professionnels de l’art contemporain (galeristes, éditeurs, restaurateurs d’art ou encore critiques d’art) dans leurs projets. Il diffuse des informations professionnelles à destination des artistes et relaie les appels à candidatures et offres d’emploi du secteur artistique".
Donc, à travers le Cnap toute la production artistique et dirigée et ce qui n'entre pas dans le cadre "contemporain" est renvoyé vers des petites galeries ou d'autres structures avec très peu de visibilité. 
Face à des sommes considérables que l'Etat distribue en subventions et commandes le marché suit et les artistes, déjà formatées par l'école des Beaux-Arts, résistent difficilement à cette pression. 
 Par ailleurs, les artistes ont la difficulté à se regrouper et s'épauler.
  Depuis le Romantisme circule une idée de l'artiste, qui s'exprime par ses tripes, donc irréfléchie, pas très instruit, distrait, rêveur, incapable de s'occuper des questions pratiques, perturbé par son psychisme.  Et malheureusement, on a l'impression que les artistes se plient souvent à cette vision.
Pour toutes ces raisons il y un appel à la résilience en art. Ceux sont les artistes qui décident de ce qu'est l'art. Les artistes qui ne se plient pas à des modes, à des pressions idéologiques ou marchands. 
 Nous ne pouvons pas nier l'art contemporain, il existe, mais il s'agit de clarifier les catégories.  Effectivement si nous analysons les productions des artistes contemporains il s'impose une nomination différente pour ces formes d'expression, car dans toutes ces productions il s'agit de divertissement, ou de reclamations de toute sorte, et non pas de l'art. Le divertissement d'une société de loisir.
Peut être qu'il faut seulement  trouver une autre appellation et permettre à l'art de s'épanouir parallèlement.* 
Avec la pandémie de  Covid on peut s'attendre à des changements. Après cette crise qui va se répercuter sur l'économie, l'Etat continuera-t-il à subventionner  ces productions ? Difficile de répondre à cette question.  
En avril 2020 l'UNESCO a lancé ResiliArt Movement, Résilience Art Mouvement, ( la coïncidence avec notre mouvement est curieuse), exhortant les Etats à venir en aide aux artistes pendant et après le Covid et parallèlement à favoriser la diversité artistique.  110 pays ont adhéré : https://en.unesco.org/news/resiliart-artists-and-creativity-beyond-crisis
 Difficile de savoir si ceci affaiblirait la domination de l'art contemporain et permettra à l'art de s'épanouir, ou créera une confusion encore plus grande. 
  On peut se poser la même question sur l'invasion de l'art sur Internet.
L'Art Résilience a été fondé  pour  revendiquer la résilience en art afin qu'il retrouve ses fondements esthétiques.  mais aussi, ce mouvement fait appel aux artistes à ne pas dépendre de toutes sortes de manipulations et de se prendre en main. Les artistes qui sont le plus souvent isolés, en se regroupant, ils peuvent ne pas dépendre des idées dominantes et travailler  en fonction de leurs perceptions, visions et connaissance de l'art. Et c'est justement la connaissance de l'art qui a été détruite. 
 Je vous remercie et je donne la parole aux  artistes qui vont nous parler aujourd'hui de la situation de l'art dans leurs pays
* Le terme qui convient le plus serait Imagerie politique en raison de la forte politisation de l'art depuis le début du 20° siècle et l'évacuation de fondements esthétiques dans ce type de production. 

Michelle Kamhi

Logo Aristos
Logo Aristos

Michelle Kamhi bio for Art Resilience

 Greetings, all, and my warmest thanks to Ksenia for organizing this online conference! To introduce myself, here are a few brief facts about me and my work.


I am an independent scholar and critic based in New York City. With my husband, Louis Torres, I co-edit Aristos, an online review ofthe arts at www.aristos.org, which he founded as a small print journal in 1982. Aristos vigorously defends traditional values in all the arts and debunks the avantgarde inventions of both modernism and postmodernism. You can read about our editorial philosophy here.

In 2000, Lou and I co-authored What Art Is: The Esthetic Theory of Ayn Rand. It was the first indepth study of a deeply insightful but little-known theory of art propounded by the novelist philosopher Ayn Rand (who is most often known for her novels and her controversial ideas on politics and ethics).

I am also the author of Who Says That’s Art? A Commonsense View of the Visual Arts (2014) and Bucking the Artworld Tide: Reflections on Art, Pseudo Art, Art Education & Theory (2020). My website at www.mmkamhi.com not only contains much information about my books but also includes my blog, For Piero’s Sake, as well as links to much of my other published work.

A particular concern of mine has been art education, as I am very critical of current trends in the field. My Background and Focus I obtained a Master’s degree in Art History in 1970, writing my thesis on the double portrait of Federigo da Montefeltro and his wife, Battista Sforza, by the early Renaissance master Piero della Francesca—to whom my blog is dedicated.

As I explained in my brief introduction to the blog, it is intended to commemorate the values [Piero] and his work represented—consummate skill and sensitivity in the embodiment of things of enduring human significance. Since those values should adhere to the terms art and artist today, For Piero’s Sake aims in no small measure to serve as an antidote to the bogus art and pseudo artists dominating the contemporary artworld.

The degradation of contemporary art was glaringly evident in 1970, when I emerged from graduate work and began to take stock of the current art scene. The artworld was then dominated by anti-traditional work ranging from Abstract Expressionismand Minimalismto Pop art. Such work had nothing essential in common with what had drawn me to the study of art, and I could not bring myself to deal with it. So I turned my attention to other matters for more than a decade.


Not until the mid ‘80s—when I met Lou Torres, who introduced me to Ayn Rand’s essays on art—did I begin to understand why I had been right to reject such avant-garde inventions. The principles of Rand’s theory have helped to informall my work. Most important, Rand offered a compelling account of the essential nature and function of art, in sharp contrast with the prevailing view that art can no longer be defined. As I wrote in the Preface to Bucking the Artworld Tide: With scarcely any exceptions, public institutions the world over have uncritically embraced every variety of “cutting-edge” contemporary work, however bizarre—heedless of the extent to which it not only deviates from traditional art (and therefore merits a different name) but also alienates many art lovers. It is as if humanity’s cultural gatekeepers were afflicted with collective amnesia regarding what made visual art valuable in the first place.

I share the view aptly expressed by the critic and art historian John Canaday (1907–1985) that art is “the tangible expression of the intangible values [people] live by.” Throughout my work, I have sought to show how works of genuine art fulfill that essential function, while the contemporary work that dominates today’s artworld (I call it “pseudo art”) largely fails to do so. In addition, I have aimed to explain why such expressions are important for both individuals and society.


Perhaps most important, unlike traditional work the “contemporary art” that fills our museums and galleries does not speak for itself but depends on reams of verbiage to explain it. Much of my writing and speaking has therefore been devoted to debunking the artworld spin on such work. To learn more about my viewpoint, I invite you to explore my books and articles. And please feel free to contact me through my website : www.mmkamhi.com

Michelle Kamhi bio pour Art Résilience

Bonjour  à tous et mes plus chaleureux remerciements à Ksenia pour l'organisation de cette conférence en ligne!
Pour me présenter, voici quelques brèves informations sur moi et mon travail.
Je suis une universitaire et critique indépendante basée à New York. Avec mon mari, Louis Torres, je coédite Aristos, une revue d'art en ligne sur www.aristos.org, qu'il a fondée en tant qu'un petit journal imprimé en 1982. Aristos défend vigoureusement les valeurs traditionnelles dans tous les arts et démystifie les inventions d'avant-garde du modernisme et du postmodernisme. Vous pouvez lire notre philosophie éditoriale ici.
En 2000, Lou et moi avons coécrit What Art Is: The Esthetic Theory of Ayn Rand. C'était la première étude approfondie d'une théorie de l'art, profondément perspicace mais peu connue, proposée par la romancière philosophe Ayn Rand (qui est le plus souvent connue pour ses romans et ses idées controversées sur la politique et l'éthique).
Je suis également l’auteur de Who Says That’s Art? Sur une vision commune des arts visuels (2014) et Bucking the Artworld Tide: Réflexions sur l'art, le pseudo-art, l'éducation artistique et la théorie (2020).
Mon site Web à l’adresse www.mmkamhi.com contient non seulement beaucoup d’informations sur mes livres, mais aussi mon blog, Pour l’amour de Piero, ainsi que des liens vers une grande partie de mes autres travaux publiés. Une de mes préoccupations particulières a été l'éducation artistique, car je suis très critique des tendances actuelles dans ce domaine.
Mon parcours et mon objectif
J'ai obtenu une maîtrise en histoire de l'art en 1970, en écrivant ma thèse sur le double portrait de Federigo da Montefeltro et de son épouse, Battista Sforza, par le maître du début de la Renaissance Piero della Francesca, à qui mon blog est dédié. Comme je l'ai expliqué dans ma brève introduction au blog, il vise à commémorer les valeurs que [Piero] et son travail représentaient - une compétence et une sensibilité accomplies dans la concrétisation  de choses d'une importance humaine durable. Étant donné que ces valeurs devrait adhérer aux termes art et artiste d’aujourd’hui, For Piero’s Sake vise dans une large mesure à servir d’antidote aux faux arts et aux pseudo-artistes qui dominent le monde de l’art contemporain.
La dégradation de l'art contemporain était flagrante en 1970, lorsque je suis sorti de mes études supérieures et que j'ai commencé à faire le point sur la scène artistique actuelle. Le monde de l'art était alors dominé par un travail anti-traditionnel allant de l'expressionnisme abstrait et du minimalisme au pop art. Un tel travail n'avait rien d'essentiel en commun avec ce qui m'avait attiré vers l'étude de l'art, et je ne pouvais me résoudre à m'en occuper. J'ai donc porté mon attention sur d'autres sujets pendant plus d'une décennie.
Ce n’est qu’au milieu des années 80, lorsque j’ai rencontré Lou Torres, qui m’a présenté les essais d’Ayn Rand sur l’art, que j’ai commencé à comprendre pourquoi j’avais eu raison de rejeter ces inventions avant-gardistes. Les principes de la théorie de Rand ont aidé à formaliser mon travail.
Plus important encore, Rand a offert un compte rendu convaincant de la nature et de la fonction essentielles de l'art, en contraste frappant avec l'opinion dominante selon laquelle l'art ne peut plus être défini. Comme je l’écrivais dans la Préface à Bucking the Artworld Tide: À peu d’exceptions près, les institutions publiques du monde entier ont adopté sans réserve toutes les variétés d’œuvres contemporaines «de pointe», aussi bizarres soient-elles - sans se soucier de la mesure dans laquelle elles s'écartent l'art traditionnel (et mérite donc un nom différent) mais aliène aussi de nombreux amateurs d'art. C’est comme si les gardiens culturels de l’humanité étaient affligés d’amnésie collective face à ce qui rendait l’art visuel précieux en premier lieu.
Je partage le point de vue justement exprimé par le critique et historien de l'art John Canaday (1907–1985) selon lequel l'art est «l'expression tangible des valeurs immatérielles dont [les gens] vivent». Tout au long de mon travail, j’ai cherché à montrer comment les œuvres d’art authentique remplissent cette fonction essentielle, alors que l’œuvre contemporaine qui domine le monde de l’art d’aujourd’hui (je l’appelle le «pseudo art») y échoue largement. De plus, j'ai cherché à expliquer pourquoi de telles expressions sont importantes pour les individus et la société.
Peut-être le plus important, contrairement au travail traditionnel, «l'art contemporain» qui remplit nos musées et nos galeries ne parle pas de lui-même mais dépend d'un ramassis de verbiage pour l'expliquer. Une grande partie de mon écriture et de mon discours a donc été consacrée à démystifier cette  tournure du monde de l'art.
Pour en savoir plus sur mon point de vue, je vous invite à découvrir mes livres et articles. Et n'hésitez pas à me contacter via mon site Web : www.mmkamhi.com

Mary joice

Mary Joice
Mary Joice

What we Artists did in 2020-21


I am Mary Joyce, and pleased, as Canada’s representative to Art of Resilience, to bring warm greetings from my vast land of 5.5 time zones to all the artists in this important conference. From my city of 1.3 million, on the western edge of the Canadian prairies, Edmonton, Alberta, I report that since March 2020 artists are cocooning, quarantining, working if they can at paid jobs at home, and continuing to produce art, not seeing much of each other or of each others’ works.

The following expands my assessment of the influence of the global pandemic on my own connections in the Canadian art world. Whether we are able to handle the emotional impact of isolation and how we decide to handle it seems to vary with individuals. A group of my colleagues, the “Unartists” who have met weekly in a local bistro on Saturday mornings for a more than a decade, mostly senior artists, gob-smacked by the threat to our health and to our social lives, decided we would continue meeting during the early stage, outside, distanced, in people’s yards, gardens, porches. When the danger rose, we organized Zoom meetings now continuing for months.

At first we continued to bring the odd objects of material investigation so intrinsic to the delights of Unart. But after some time online we notice now that we talk more and experiment less. The interest in the visual is still strong, and expresses itself in comments on the various locations of each person within the room they use for the computer; the lighting, their clothing colours, texture, design might bring reminiscence of a famous portrait. Artworks might show up on screen behind the speaker, especially when someone is able to get the wifi to operate in their studio. The fact that someone displaying art must keep speaking on Zoom to keep the artwork in large format view for the others, runs counter to inclinations of our most mischievous members whose voice IS their artwork.

Telling while showing is a new skill! We feel thankful for the technology that allows us to meet, but as we use it, it uses us and we change in ways we have not agreed to beforehand. Who Knew? Many artists are sending work to shows of “mail art” where actual work is sent through the post, posted online, possibly simultaneously with a “real” show, then the online stays up for an undetermined period. Many of the Unarters chose to show in an International Exhibition organized jointly by Penticton Art Gallery curator Paul Crawford and by Khaled Youssef and Houmam Alsaleim of Syria.art Association in Nice and Berlin. “You Are Not Alone” was shown in Penticton, British Columbia, Canada, September 18-November 7 2020, with the works’ images posted online simultaneously. The actual works were donated to the gallery to be used “in the spirit of the penpal and mail art movement (to) create a permanent and physical document of our existence in this unprecedented moment in history…. As part of this project, one can connect and share their art with a global network of artists.

Our hope is that through the act of sharing, deep, rich, and meaningful connections will develop that will not only bring us together but may help build bridges of friendship and understanding. No one is immune to this pandemic and we hope this will help us to get through this time by allowing us to share our stories, celebrate our diversity, mourn our losses, and heal as a planet.” This show is where I first noticed Jean Smith’s portraits. http://pentictonartgallery.com/you-are-not-alone


Everyone at this conference will be aware of and proud to be associated with our International Art Resilience Exhibition, organized annually by Ksenia Milicevic and colleagues at the Saint-Frajou Art museum in southern France from 2015 on; the 6th pandemic show was published online in 2020 from August 8 – September 8. Now two Unarters are members of Art Resilience. “The objective of the exhibition is to show the artists who not only illustrate the current society, neither the ‘mind map of the artist,’ but also engage in the path of art. In this way, art preserves its reason for being, connects man to the world and makes him participate in the breath of life. These are artists for whom art is not a random act, a discursive presentation, a playful place or an incomprehensible show. What unites them is the rigorous composition, balance of form, perfect harmony of colors, originality and authenticity.” More theory of Resilient Art is available here: https://www.art-resilience.com/english/factors-of-resilience-in-art/


The Nobel Peace Project is an international Mail Art initiative founded over 20 years ago in Nobel, Ontario, Canada by artists Susan Gold and AG Smith as a response to the NATO bombing of Yugoslavia. In 2020, for the first time, the Nobel Peace Project has taken on a theme directly connected to the Nobel Peace Prize and is calling for submissions to celebrate and support the nomination of Cuba’s Henry Reeve International Medical Brigade for the award in 2021. http://www.nobelpeaceproject.com/nobel-peace-projects/


For some Canadian artists, creative use of electronic technology in this period is boosting their reputations and earnings by degrees of magnitude. For example: Vancouver painter, singer and novelist Jean Smith, whose career began in the 1980s, began to post daily images of women’s portraits freshly made in acrylic on canvas stretchers, 11”x14”(28 x 35.5 cm.) She first offered them on Facebook for sale at $100.00 US each. They sold immediately. She advertised her practice of retaining $1000.00 US monthly for her life expenses and reserving the surplus to purchase a building and land for the “Free Artist Residency for Progressive Social Change.” Her work is still selling as she posts it. She presents the many nuances of compassion, dismay, pity, fear, empathy, dull shock and so on in the beautiful minimalist faces of the women in nurses’ caps, hats, earphones, aviator gear… thus the viewer visualizes a deeply human response to the horror of the virus. Her fans race to be first to click and buy her painting of the day. An important element in this arrangement is that the artist feels pleased to be able to sell her work at an affordable price for her fans. Vancouver artist ditches part-time job, sells over 1,500 paintings

An emerging artist who calls himself Mad Dog Jones, in life is Micah Dowbak from Thunder Bay, Ontario, a small Canadian city on the northern tip of Lake Superior. Stained glass artists whose work decorates churches constitute his family. The transparency in his digital images of cityscapes by night is thus second nature to him. He has become a millionaire overnight by selling a purely digital work of “crypto” art online. The technology is blockchain, where the unique identifier is an “NFT,” a “non-fungible token” owned only by the purchaser. Such a piece of art has to be displayed on a screen. Secondary sales pay to the artist 10%, so that when those sales reach the millions, crypto artists can realize large paybacks.

This technology is reaching Christie’s auction house in London now, where the first digital artworks are being sold. https://www.theglobeandmail.com/arts/art-and-architecture/article-crypto-art-is-gainingtraction-and-one-of-its-biggest-stars-is-an/ Incidentally, the right to a portion of secondary art sales, the “resale right” is being fought for by Canadian Artists through the organization Canadian Artists Representation,

Le Front des Artists Canadien, CARFAC. So far with little success. Mentoring Artists for Women’s Art operates out of Winnipeg, Manitoba, Canada with a the determination to assist women to fully realize their desire and potential to become artists. Founded in 1984 by art professors at university of Manitoba, Sheila Butler and Diane Whitehouse, MAWA organizes an annual foundational mentorship pairing emerging artists with experienced ones, all female, and female-identified persons. Since 1984 this group has produced many of Canada’s best-known female artists, Aganetha Dyck, Wanda Koop, Eleanor Bond, Di Thorneycroft, Bev Pike, Linda Fairfield. The pandemic has forced their programs online, a sad and hopefully temporary cessation of their tireless journeys by auto east, west, and north through the province, finding women who need connection and support, offsetting the continuing dominance of the other gender in the still patriarchal artworld where a gender count of acquisitions at Winnipeg Art Gallery still reflect women’s art at 22%. https://mawa.ca/


So it seems issues of income and fairness, or consideration for others’ situations, make a difference in the ways we Canadian artists decide to distribute our work. The pandemic brought this contradiction to the fore, that while isolating at home, many families perceived a need for more art around them. A need grew. An interesting experiment was launched by the federal government early in the pandemic. Self-employed people who had earned $5000 in the previous year or work period were allowed to take CERB, the Canada Emergency Response Benefit. It provided emergency funding to whoever qualified of $2000/month for maximum seven months. Some artists felt they were better off than they had ever been when depending on self-employed income only! This made giving away their work, or charging only a small affordable fee possible financially. Soon, opinion on the social necessity of a Guaranteed Basic Income became rampant, with calls for the government to put it in place. It is felt that a permanent method of securing the basics of life for ALL would be a brilliant way to reduce hospital, police, psychological, domestic and food bank emergencies, guarantee housing for everyone to replace tent cities now present in most Canadian cities, but even better, provide cultural sustenance to all Canadians by supporting artists in the work they live to make. Funding to do this might be achieved by re-directing the massive subsidies our governments hand over to corporations who respond by laying off and firing workers.

Artists began to imagine what life could be like if such arrangements as Guaranteed Basic Income were to exist. From history some know the Mexican Modernist School of Muralists was born from a union between social policy oriented toward mass education and artists who became great within that environment. They asked to be paid the salary of working people; in exchange for life security, they painted most public places in the centres of Mexico’s cities and towns. The resulting patrimony is one of the world’s greatest art treasures, crucial to the modern identity of the Mexican Peoples.

Separating survival from the distribution of our production is a psychological relief for many artists, whose background and loved ones are not wealthy. For me, the CERB arrangement allowed me to dream of being able to provide my work to people who want it, the kind of people I make it for, without having to extract from them the “market value” of the paintings. I felt pleasure in making several pieces I could give away, and making a large edition of prints to give during the holiday season, celebrating getting to know many more of my neighbours thanks to everyone in isolation making frequent walks throughout the neighbourhood. Now to summarize, the main effects of this period include having to experience the material thing-ness of visual art lit up, flattened, polished, formatted all in the same rectangle or square, irrelevant original scale and behind a glass screen. Further, a social need is recognized, that in this period of human ability to produce everything so efficiently, to create so much wealth, that this wealth created by nature combined with human labour must be shared out to provide rights and sustenance for all.

We dream this policy will produce happiness, peace and more and more art! Many thanks for listening to me, Mary Joyce 2021,03,10

Ce que nous, les artistes, avons fait en 2020-2021

Je suis Mary Joyce et je suis heureuse, en tant que représentante du Canada auprès de l’Art Résilience, d’apporter les salutations chaleureuses de mon vaste pays de 5,5 fuseaux horaires, à tous les artistes participant à cette importante
conférence. De ma ville de 1,3 millions d'habitants, à l'extrémité ouest des prairies canadiennes, Edmonton, Alberta, je signale que depuis mars 2020, les artistes cocoonant en quarantaine, travaillent s'ils le peuvent, à des emplois rémunérés à la maison et continuent à produire de l'art, et ne se voient pas entre eux   ni ne voient les œuvres les uns des autres. 

Ce qui suit concerne mon évaluation de l'influence de la pandémie mondiale sur mes propres relations avec le monde de l'art canadien.
Si nous sommes capables de gérer l'impact émotionnel de l'isolement et comment  nous le faisons, cela semble varier selon les individus.
Un groupe de mes collègues, les «Unartistes» qui se rencontrait chaque semaine dans un bistrot local  les samedis matins, pendant plus d'une décennie, principalement des artistes seniors, frappés par la menace pour notre santé et notre vie sociale, a décidé au début de l'épidémie, de continuer à se rencontrer, à l’extérieur, à distance, dans les cours ou les jardins. Quand le danger a augmenté, nous avons organisé des réunions sur Zoom qui se poursuivent depuis des mois.
 Au début, nous avons continué à  nous pencher sur la recherche matérielle si intrinsèque et délicieuse d'Unart. Mais après un certain temps en ligne, nous remarquons maintenant que nous parlons plus et expérimentons moins. L'intérêt pour le visuel est toujours fort, et s'exprime par des commentaires sur les différents emplacements de chaque personne dans la pièce utilisée pour l'ordinateur; l'éclairage, les couleurs de leurs vêtements , la texture, le design qui peuvent rappeler un portrait célèbre. Les œuvres d'art peuvent s'afficher à l'écran derrière le haut-parleur, en particulier lorsque quelqu'un est en mesure d'accéder au wifi  dans son studio. Le fait que quelqu'un qui affiche  l'art  en  grand format sur Zoom et doit continuer à parler,  va à l'encontre des inclinations de nos membres les plus espiègles dont la voix EST leur œuvre. Raconter tout en montrant est une nouvelle compétence! 
Nous sommes reconnaissants à la technologie qui nous permet de nous rencontrer, mais au fur et à mesure que nous l'utilisons, elle nous utilise et nous change, de manière que nous n’avons pas prévu au préalable. Qui aurait pu le savoir ?
De nombreux artistes envoient des œuvres à des expositions de «mail art» où des œuvres réelles sont envoyées via la publication, mise en ligne, éventuellement en même temps qu'un «vrai» événement, puis la mise en ligne reste pendant une période indéterminée. Beaucoup de Unarters ont choisi de participer à une  Exposition Internationale,  organisée conjointement par le conservateur de la Penticton Art Gallery, Paul Crawford et par Khaled Youssef et Houmam Alsaleim de Syria.art Association à Nice et Berlin. «You Are Not Alone» a été présenté à Penticton, Colombie-Britannique, Canada, du 18 septembre au 7 novembre 2020, avec des œuvres mises en ligne simultanément. 
Les œuvres ont été données à la galerie pour être utilisées «dans l'esprit du penpal et mail art mouvement pour créer un document permanent et physique de notre existence dans ce moment sans précédent dans l'histoire… Dans le cadre de ce projet, on peut se connecter et partager son art avec un réseau mondial d'artistes. Notre espoir est qu'à travers l'acte de partage, en profondeur, se développeront des connexions riches et significatives  qui non seulement nous rassembleront, mais pourront aider à construire des ponts d'amitié et de compréhension. Personne n'est à l'abri de la pandémie et nous espérons que cela nous aidera à traverser cette période en nous permettant de partager nos histoires, célébrer notre diversité, pleurer nos pertes et guérir comme toute la planète. 
C'est là que j'ai remarqué pour la première fois les portraits de Jean Smith.

Tout le monde dans cette conférence sera conscient et fier d'être associé à notre Exposition Internationale sur la résilience en art, organisée chaque année par Ksenia Milicevic et ses collègues du musée d'art de Saint-Frajou dans le sud de la France depuis 2015.  Le 6° pandemic show a été publié en ligne en 2020 du 8 août au 8 septembre.
Les Unarters sont membres d'Art Resilience Canada, dont «L’objectif de l’exposition est de montrer des artistes qui non seulement illustrent la société actuelle, ou "la carte mentale de l’artiste», mais s'engagent également dans la voie de l'art. De cette manière, l'art préserve sa raison d'être, relier l'homme au monde et le faire participer au souffle de la vie. Ce sont des artistes pour qui l'art n'est pas un acte aléatoire, une présentation discursive, un lieu ludique ou un affichage incompréhensible. Ce qui les unit, c'est la composition rigoureuse, l'équilibre des formes, l'harmonie parfaite des couleurs, originalité et authenticité. » Plus de théorie de l'art résilient est disponible ici:

Le Nobel Peace Project est une initiative internationale de Mail Art fondée il y a 20 ans à Nobel, Ontario, Canada par les artistes Susan Gold et AG Smith en réponse au bombardement de l'OTAN en Yougoslavie. En 2020, pour la première fois, le projet a abordé un thème directement lié au prix Nobel de la paix et a appelé à célébrer et soutenir la candidature pour la nomination de 
Henry Reeves Brigade medical de Cuba pour le prix en 2021.

Pour certains artistes canadiens, l'utilisation créative de la technologie électronique au cours de cette période a renforcé leurs réputations et leurs revenus à des différents degrés . Par exemple: peintre de Vancouver,
chanteuse et romancière, Jean Smith, dont la carrière a commencé dans les années 1980, a commencé à publier quotidiennement les images de portraits de femmes fraîchement réalisés à l’acrylique sur toile, de 28 x 35,5 cm. Elle les a d'abord proposés sur Facebook en vente à 100,00 $ US chacun. Ils ont été vendus immédiatement. Elle a annoncé sa proposition de retenir 1000,00 $ US par mois pour ses dépenses et réserver le surplus pour acheter un bâtiment et un terrain pour créer une résidence libre pour les artistes dans le cadre d'un  changement social progressif. Son travail se vend toujours au fur et à mesure qu'elle le publie. Elle présente de nombreuses compositions, avec différentes expressions : consternation, pitié, peur, empathie, choc, etc.
sur les beaux visages minimalistes des femmes en bonnets, chapeaux, écouteurs, équipement d'aviateur… ainsi le spectateur peut visualiser une réponse profondément humaine à l'horreur du virus. Ses fans font la course pour être les premiers à cliquer et acheter sa peinture du jour. 
Un facteur important de cette démarche est que l'artiste se sent heureuse de pouvoir vendre son travail à ses fans à un prix abordable.  

Un autre artiste, de Vancouver, abandonne son emploi à temps partiel et vend plus de 1500 tableaux, il est artiste émergent qui se fait appeler Mad Dog Jones, dans la vie, Micah Dowbak de Thunder Bay, Ontario, une petite ville canadienne à la pointe nord du lac Supérieur. Les artistes qui réalisaient des vitraux dont le travail décore les églises constituent sa famille. La transparence dans ses images numériques de paysages urbains de nuit est donc une seconde nature pour lui. Il est devenu millionnaire du jour au lendemain en vendant en ligne des  œuvres d'art purement numérique.
Grâce à la technologie  l'image est bloquée et n'appartient qu'à l'acheteur, avec l'identifiant NFT . Une telle œuvre d'art doit être affichée sur un écran.
Les reventes rapportent à l'artiste 10%, de sorte que lorsque ces ventes atteignent les millions, les artistes peuvent réaliser de gros retours sur investissement. Cette technologie vient d'entrer à la maison de vente aux enchères Christie’s à Londres, où les premières œuvres d'art numérique sont vendues.

Soit dit en passant, les artistes canadiens se battent pour le droit à un pourcentage sur la revente, le «droit de suite»  par le biais de l'organisation d'Artistes Canadian, Le Front des Artistes Canadien, CARFAC. Mais,jusqu'à présent, avec peu de succès.
Mentoring Artists for Women’s Art opère à partir de Winnipeg, Manitoba, Canada avec la détermination d'aider les femmes à réaliser pleinement leur désir et leur potentiel de devenir artistes. Fondée en 1984 par des professeurs d'art de l'Université du Manitoba, Sheila Butler et Diane Whitehouse, MAWA organise un jumelage annuel entre les artistes émergents et les artistes expérimentés.  Depuis 1984, ce groupe a guidé plusieurs des artistes féminines les plus connues du Canada, Aganetha Dyck, Wanda Koop, Eleanor Bond, Di Thorneycroft, Bev Pike, Linda Fairfield. La pandémie a forcé leurs programmes d'être en ligne, c'est un arrêt triste et, espérons-le, temporaire pour leurs infatigables voyages en auto vers l'est, l'ouest et le nord à travers la province, à la recherche de femmes qui ont besoin de connexion et de soutien, compensant la domination continue de l'autre  genre dans le monde de l'art, encore patriarcal.
Les galeries d’art présentent toujours l’art des femmes seulement à 22%.

Il semble donc que les questions de revenu et d’équité  différent dans la façon dont nous, les artistes canadiens, décidons de distribuer nos œuvres. La pandémie a mis en évidence, que tout en restant isolés à la maison, de nombreuses familles sentent le besoin d'avoir de l'art autour d'eux. Ce besoin grandit. 
Une expérience intéressante a été lancée par le gouvernement fédéral au début de la pandémie. Les indépendants qui avaient gagné 5000 $ au cours de l'année précédente ou pendant la période de travail ont été autorisés à prendre CERB,(  Prestation canadienne d'intervention d'urgence). Le gouvernement a fourni un financement d'urgence à quiconque avait gagné 2000 $ par mois, pour un maximum de sept mois. Certains artistes ont estimé qu'ils s'en sortaient mieux, que lorsqu'ils  dépendaient que des revenus des travailleurs indépendants !  
L'opinion sur la nécessité sociale d'un revenu de base garanti est devenue endémique, avec des appels au gouvernement pour le mettre en place. On estime qu'une méthode permanente d'assurance de  bases  pour TOUS serait un moyen brillant de diminuer les hôpitaux, la police, urgences psychologiques, domestiques et bancaires, urgence alimentaires,et  aussi garantir un logement à tous remplaçant  des tentes maintenant présentes dans la plupart des villes canadiennes, mais encore mieux, offrir la subsistance à tous les Canadiens en soutenant les œuvres des artistes.  Pour ce faire, on pourrait réorienter les subventions massives que nos gouvernements accordent aux entreprises qui réagissent en  licenciant des travailleurs.
Les artistes ont commencé à imaginer à quoi pourrait ressembler la vie si des arrangements tels que la garantie du revenu de base  devait exister. Certains connaissent certainement l'école moderniste mexicaine avec des muralistes qui est  né d'une union entre la politique sociale orientée vers l'éducation de masse et des artistes qui sont devenus grands grâce  à cet environnement. Ils ont demandé à recevoir le salaire des travailleurs et en échange pour cette   sécurité vitale,  ils ont peint la plupart des lieux publics dans des centre des villes et villages du Mexique. Le patrimoine qui en résulte est l’un des plus grands trésors artistiques, cruciaux pour l'identité moderne du peuple mexicain.

Séparer la survie de la distribution de notre production serait un soulagement psychologique pour de nombreux artistes, dont les ancêtres et les proches ne sont pas riches. Pour moi, le CERB m'a permis de rêver de pouvoir offrir mon travail à des gens qui le veulent, le genre de personnes pour qui je le fais, sans avoir à calculer le «marché valeur »des peintures. J'ai eu du plaisir à faire plusieurs pièces que je pourrais donner, et faire une grande édition de tirages à offrir pendant la période de fêtes. Célébrer aussi la connaissance de  beaucoup plus de voisins grâce à l'isolement et  les fréquentes promenades dans le quartier.
Maintenant, pour résumer, les principaux effets de cette période sont de devoir faire l'expérience de la qualité matérielle des arts visuels éclairée, aplatie, polie, mise en forme à la fois sur le rectangle ou un carré, avec l'échelle originale non pertinente et derrière un écran de verre.  De plus, un besoin social est reconnu, dans cette période de capacité humaine à tout produire efficacement et  créer tant de richesse, et que cette richesse créée par la nature combinée avec
le travail humain doit être répartie pour assurer des droits et une subsistance pour tous. On rêve que la politique produira le bonheur, la paix et de plus en plus d'art!
Merci beaucoup de m'avoir écouté,

viktoria romanova

Viktoria Romanova
Viktoria Romanova

Experience of Russian artist in California


Good Evening! Good Afternoon! Good Morning! I never had a chance to say all at once before!

I am Viktoria Romanova, I am a painter from Altadena, CA, which in close to Los Angels.  It is very exciting to be with you all today and many thanks to Ksenia Milicevic for organizing this event and for giving us the chance to communicate. It is my pleasure to share some information with you from my personal experience with Art.

Briefly about myself 

I was born in Ukraine and lived in Russia till 2002. I got my BFA degree there and showed in galleries very little, because I had an Art School to run to survive. It was a very difficult time, people did not have enough food and lots of young people left the country to make some money abroad. It was a completely different experience to be an artist in Russia, in a small town with 5 Galleries in total, and they all worked as a consignment type of stores, so the motivation to show art was not as strong and the possibilities were very much limited.

When I moved to the US I did not speak English and had to learn about this new lifestyle and about this widely spread place called Los Angeles County. I wanted to get a Masters Degree in Art but I ended up studying "Color” intensivly for 9 years. I did some commission work during my studying time. I started to show my artwork in California 5 years ago and it was a huge change compare it to my Russian period, because I was living in small city with just under one-million population compare it to this megapolis with more than more than 10 million people.  

Exhibiting experience

An artist's career is a long journey for sure… I have been in Art Industry since my 20s, and 30 years later I still do not consider myself as an established artist, and there are reasons and personal believes that effected my art road. Very early on I came to the conclusion that I would prefer working with some Alternative Spaces and Non-Profit Organizations, because of their motivations. They do not charge a fortune for submissions and have a pure purpose to show art to the public, and active curators, and real collectors visit those places to discover fresh art.  

Because their goal is to educate the public, and for artists to connect, these centers are not focused on selling art. They are focused on more important and deeper thing “what generates interest” in order for artist to be able to communicate clearly. All of them are online now and Zoom is making them more interactive than ever.

Mainly I am showing my work in California from Sacramento to San Diego and I plan is to  start exhibiting in other sates and hopefully internationally this year. Online shows of course give enormous possibilities to go over the boarders. 

Example: I participated in 2018 in Vienna Biennial. It was a stressful experience plus the shipment was expensive and problematic. I thought that I lost a painting on the way back home, it took a long time to return and after that I slowed down on the out-of-the-US shows till the last year when the Pandemic united the world virtually. It was the main reason for me to apply for The Salon 6th Art Resilience last year, because I would not needed to deal with a shippment for the show and I was ok with the idea of paying for shipping out in case of a sale, because it would have been covered by the sale of the art piece. 

The websites to find art calls

I have to admit that it is time-consuming to research art calls, and I wish I could spend this time painting, but it is all a one-person production in my case. Here are a few websites that I use to find open calls for juried art exhibitions; artist grants; artist residencies; art contests and art charity auctions:

1)CaFÉ™- CallForEntry.org  https://www.callforentry.org/artist-help-cafe/refunds-and-chargebacks/

2) https://www.onlinejuriedshows.com


4)California Arts Council www.cac.ca.gov

5)www.ArtJobs.com - International calls for art

6)SideArts.com Global Community of Artists - International calls for art

7)ArtDeadline.Com - International calls for art

About Websites

If you are good with technology and have the idea to sell your work on Social Media platforms, please make sure that there is a keyword in your Domain! It will help you to get more views and to get into much more internet search algorithms. I did know about it before. My website is : viktoriaromanova.studio. Nobody knows who I am and I should have used at least one keyword that would connect me to the people who are searching for : “ fine art”; "modern painting”; “abstract art” or photography or sculpture, if it is your field of work. 

There are people who have websites called “ Abstract art for sale” and I checked, and they do sell a lot this way. I am not a techno person and my main thing  still is creating.

I did not start painting because thought I would make money from it, but I do agree that ONLINE business  and communications are the future (isolation time during Corona clearly showed that), so I am going to change my website name and add key words soon.

About work with Galleries

Working with professional art galleries could be a wonderful experience.

To my feel it is very special and sensitive relationship, it is like having a new friend, getting to know each other and building a trust.  I would like to finish my talk on an uplifting note that for us artists the progress in work is real great deal. We only getting better with every year, the future is looking quiet exciting! I am not tired of my profession, I certainly feel like my best paintings are not painted yet and it gives me a stimulation and hope for the bright future.

I wish you all some great art to come and to have a blast in your art practice!

Thank you.


Expérience d'une artiste russe en Californie


Bonsoir! Bonne après-midi! Bonjour! Je n'ai jamais eu l'occasion de tout dire en même temps!

Je suis Viktoria Romanova, je suis peintre d'Altadena, en Californie, près de Los Angeles. C'est très excitant d'être avec vous tous aujourd'hui et un grand merci à Ksenia Milicevic pour l'organisation de cet événement et pour nous donner la chance de communiquer. J'ai le plaisir de partager avec vous quelques informations sur mon expérience personnelle.

 Ma bio en bref

Je suis né en Ukraine et j'ai vécu en Russie jusqu'en 2002. J'ai obtenu mon diplôme de BFA là-bas et j'ai très peu exposé dans des galeries, car j'avais une école d'art à diriger pour survivre.  C'était une expérience complètement différente d'être un artiste en Russie, dans une petite ville avec 5 galeries au total, et ils travaillaient tous d'après des   consignes, donc la motivation pour montrer son art n'était pas  forte et de plus, les possibilités étaient très limitées. 

Quand j'ai déménagé aux États-Unis, je ne parlais pas anglais et j'ai dû en apprendre davantage sur ce nouveau style de vie et sur cet endroit très étendu, appelé Los Angeles County. Je voulais obtenir une maîtrise en art mais j'ai fini par étudier intensivement la couleur pendant 9 ans. J'ai fait des travaux sur commande pendant mes études. J'ai commencé à montrer mes œuvres en Californie il y a 5 ans et c'était un énorme changement comparé  à ma période russe où je vivais dans une petite ville avec un peu moins d'un million d'habitants et  cette mégapole de plus de 10 millions d'habitants.

Expérience d'exposition 

La carrière d'un artiste est certes un long voyage… Je suis dans le domaine de l'art depuis mes 20 ans, et 30 ans plus tard, je ne me considère toujours pas comme un artiste établi, et il y a des raisons et des croyances personnelles qui ont influencé ma route artistique. Très tôt, je suis arrivé à la conclusion que je préférerais travailler avec des espaces alternatifs et des organisations à but non lucratif, en raison de leurs motivations. Ils ne facturent pas une fortune pour  eposer et ont un but pur, montrer de l'art au public, et des conservateurs actifs, et de vrais collectionneurs qui visitent ces lieux pour découvrir de l'art frais.


Parce que leur objectif est d'éduquer le public et de permettre aux artistes de se connecter, ces centres ne se concentrent pas sur la vente des œuvres d'art. Ils se concentrent sur des choses plus importantes et plus profondes «ce qui génère de l'intérêt» pour que l'artiste puisse communiquer clairement. Désormais  ils sont tous  en ligne et Zoom les rend plus interactifs que jamais.

Je montre principalement mon travail en Californie,  de Sacramento à San Diego et je prévois de commencer à exposer dans d'autres états et, espérons-le, à l'échelle internationale cette année. Les sites en ligne offrent bien sûr d'énormes possibilités pour franchir les frontières.


Exemple: j'ai participé en 2018 à la Biennale de Vienne. Ce fut une expérience stressante et l'expédition était chère et problématique. Je pensais avoir perdu un tableau au retour, il a fallu beaucoup de temps pour qu'il revienne, et après cela, j'ai ralenti les envois hors des États-Unis, jusqu'à l'année dernière, lorsque la pandémie a pratiquement uni le monde. C'était la principale raison pour laquelle j'ai postulé pour  le 6° Salon international Art résilience l'année dernière, car je n'avais pas  besoin de gérer un envoi pour l'exposition, et j'étais d'accord avec l'idée de payer pour l'expédition en cas de vente, car les frais  auraient été couverts par la vente de l'œuvre d'art.

Les sites Web pour trouver des appels à artistes 

Je dois admettre que la recherche sur les appels aux concours prend du temps, et j'aimerais pouvoir passer ce temps à peindre. Voici quelques sites Web que j'utilise pour trouver des appels  à des expositions d'art avec jury; bourses d'artistes; résidences d'artistes; concours d'art et ventes aux enchères d'art caritatif:

1) CaFÉ ™ - CallForEntry.org https://www.callforentry.org/artist-help-cafe/refunds-and-chargebacks/

2) https://www.onlinejuriedshows.com;

3) http://entrythingy.com;

4) Conseil des arts de Californie www.cac.ca.gov

5) www.ArtJobs.com - Appels internationaux à l'art;

6) Communauté mondiale d'artistes SideArts.com - Appels internationaux à l'art;

7) ArtDeadline.Com - Appels internationaux à l'art

À propos des sites Web

Si vous maîtrisez la technologie et que vous souhaitez vendre votre travail sur les plateformes de médias sociaux, assurez-vous qu'il y ait de bons mots-clés dans votre domaine ! Cela vous aidera à obtenir plus de vues et à entrer dans beaucoup plus d'algorithmes de recherche sur Internet. Je n'étais pas au courant avant. Mon site Web est: viktoriaromanova.studio. Personne ne sait qui je suis et j'aurais dû utiliser au moins un mot-clé qui me reliait aux personnes qui recherchent: «beaux-arts»; "peinture moderne"; "art abstrait" ou photographie ou sculpture, si c'est votre domaine de travail. Il y a des gens qui ont des sites Web appelés "Art abstrait à vendre" et j'ai vérifié,  ils vendent beaucoup de cette façon.  

Je n'ai pas commencé à peindre parce que je pensais gagner de l'argent avec cela, mais je suis d'accord que les affaires et les communications EN LIGNE sont l'avenir (le temps d'isolement pendant Corona l'a clairement montré), donc je vais changer le nom de mon site Web et ajouter des mots clés bientôt .

À propos du travail avec les galeries

Travailler avec des galeries d'art professionnelles pourrait être une expérience merveilleuse.

À mon avis, c'est une relation très spéciale et sensible, c'est comme avoir un nouvel ami, apprendre à se connaître et bâtir une confiance. Je voudrais terminer mon exposé sur une note édifiante, que pour nous artistes les progrès dans le travail sont vraiment importants. Si nous ne faisons que s'améliorer chaque année, l'avenir s'annonce passionnant ! Je ne suis pas fatigué de mon métier, j'ai certainement l'impression que mes meilleurs tableaux ne sont pas encore peints et cela me donne une stimulation et un espoir pour un avenir radieux.

 La vie artistique sur la côte ouest des États-Unis devient beaucoup plus sérieuse et intéressante depuis 5 ans. Los Angeles et San Francisco sont en train de devenir des lieux d'art rivalisant avec New York.

Auparavant, tout le monde voulait montrer son art à Chelsea, New York et aujourd'hui, des artistes établis de New York sont présents à Los Angeles et SF.

Je vous souhaite à tous un grand art à venir et de vous réjouir dans votre pratique artistique!


Carlos Eguiguren

Carlos Eguiguren
Carlos Eguiguren

 Chilean art 2021


Since October 18th , 2019. Chile has change on all grounds, this date we were spectators of how the violence on the streets of Santiago was entering in the minds of the people some of us condemning these acts and others in favor of the burning and destruction of our subway system , churches , small business, etc.

Five month later , we received as the rest of the world the famous Covid 19 , which had the hole country in quarantine . Popular art , meaning, music, poetry, graffiti , comics, they all felt that was the right time to protest against the system and you can see today how buildings , museums , statues of downtown Santiago are painted with revolutionary images. Police is incapable to control the huge amount of people that are burning and protesting every Friday evening. 


Unfortunatly artist are normally self employed , so when you get old there is not a pension,  if you have not saved some money. 

Most of the old artist in Chile are quite poor. We live in a country that is 10 or more hours away from USA, or Europe, Japan, Australia, since I remember artist have left the country to be able to be successful 

In what they do, as Roberto Matta, Claudio Bravo, Pablo Neruda, etc.


All of the above has produce an impact on artist , and we are force to look abroad for new opportunities, as with in the country art galleries , museums are closed or  people have to make an appointment to attend. So the amount of sales has diminish.


On the other hand I believe that there is a lot of opportunities on virtual galleries and new ways of getting yourself notice in order to start selling your art around the world.

For example I work with a professional printer in London called theprintspace, https://www.theprintspace.co.uk/ they will print my photographs on the paper that I choose and then they will deliver to any address on any country. For this purpose I started a web page on shopify this is my store on line. https://www.shopify.fr/site-de-vente-en-ligne.

The difficult part is to promote your store, probably this is more work than producing art.

Carlos Eguiguren

Art chilien 2021

Depuis le 18 octobre 2019 Le Chili a changé  dans tous les sens. A cette date nous avons été spectateurs de la façon dont la violence dans les rues de Santiago entrait dans l'esprit des gens, certains d'entre nous condamnant ces actes et d'autres étant en faveur de l'incendie et de la destruction de notre métro, églises, petites entreprises, etc.


 Cinq mois plus tard, nous avons reçu comme le reste du monde le fameux Covid 19, qui a mis tout le pays en quarantaine :  art populaire, sens, musique, poésie, graffitis, bandes dessinées.  Tous ont estimé que c'était le bon moment pour protester contre le système et vous pouvez voir aujourd'hui comment les bâtiments, les musées, les statues du centre-ville de Santiago sont peints par des images révolutionnaires.
La police est incapable de contrôler le grand nombre de personnes qui brûlent et manifestent chaque vendredi soir.
Malheureusement, les artistes sont normalement des travailleurs indépendants, donc quand vous vieillissez, il n'y a pas de pension, si vous n'avez pas économisé de l'argent. La plupart des anciens artistes chiliens sont assez pauvres.
Nous vivons dans un pays qui est à 10 heures ou plus des Etats-Unis, ou d'Europe, du Japon, d'Australie, et depuis que je me souviens  les artistes  quittent le pays pour réussir, comme Roberto Matta, Claudio Bravo, Pablo Neruda, etc.

Tout ce qui précède a un impact sur les artistes, et nous sommes obligés de chercher à l'étranger de nouvelles opportunités.  Comme les galeries d'art du pays, les musées sont fermés ou les gens doivent prendre rendez-vous pour y assister. Le montant des ventes a donc diminué.

D'un autre côté, je pense qu'il y a beaucoup d'opportunités sur les galeries virtuelles et de nouvelles façons de se faire remarquer afin de commencer à vendre votre art dans le monde entier. Par exemple, je travaille avec un imprimeur professionnel à Londres appelé theprintspace :https://www.theprintspace.co.uk/,  ils imprimeront mes photographies sur le papier que je choisirai, puis ils les livreront à n'importe quelle adresse dans n'importe quel pays. À cette fin, j'ai commencé une page Web sur shopify c'est ma boutique en ligne : https://www.shopify.fr/site-de-vente-en-ligne
 La partie difficile est de promouvoir votre magasin, c'est probablement plus de travail que de produire de l'art.

miguel betancourt

Miguel Betancourt
Miguel Betancourt



The pandemic and confinement have greatly affected Ecuador, where the vast majority of artists and cultural managers are independent workers, who have temporary assignments without access to social security.


At the international level, UNESCO and several multilateral organizations have been highlighting the importance of culture and the arts in the pandemic and the need to support cultural workers in this difficult situation. In Ecuador there is a Ministry of Culture that has tried to generate support, without success, in the midst of enormous economic difficulties and at a time of political conjuncture, since a change of government will take place shortly.

Ecuadorian art has succumbed to digital social networks to avoid the effects of Covid-19, which forced cinemas, theaters, galleries and museums to close their doors. Many artists, left without income, try to survive with their online shows and exhibitions. Face-to-face exhibitions in Ecuador, with few exceptions, have definitely yielded the throne to the virtual format. These online exhibitions are an option that hardly replace face-to-face exhibitions, where one is not only confronted with the work of art, but also with the human being.


As has been said, the virtual world has become one of the best allies of artistic and cultural spaces. Several art galleries and museums in the country are using it as an alternative to show the public the work of artists.In Quito, the city where I live, there are a few galleries that bring together works by young “emerging” artists, with physical and virtual exhibitions. The former are open at certain times and with a limited number of visitors. While in the others, the majority, the visit includes a kind of virtual identity card, through which the name of the author of the work and details of the piece can be known. In the tour of this gallery, the visitor can find works in different formats, including sculptures, photographs and paintings.

 There are digital proposals to encourage the purchase of art, with rather reduced prices, but in any case, there is an effective interaction between the public and artists. Consequently, this gives rise to the configuration of a small art market, especially in Guayaquil, the most populated city in Ecuador, which is on the Pacific coast.

For its part, the House of Ecuadorian Culture (CCE), which is a museum with national and Latin American art, has created a National Virtual Gallery, a space for national artists and has become another alternative for people to know the work of these creators, from the various regions of Ecuador. Each exhibition, which can be accessed through the CCE website; it includes an introductory text written by the Museum's curators, which reviews the artist's life and work, and a series of selected works. There is also an opening ceremony in a zoom session with the presence of people interested in the event. It is clear that this is more a work of cultural diffusion.

It should also be noted that artists in Ecuador are using Instagram and Facebook, turning these networks into a kind of virtual gallery. In some cases, through these means, the inclusion of our work in international galleries has been achieved. And this is a positive development achieved precisely at this time of the pandemic. Unfortunately, the press has been of little help in the dissemination of art. The media (newspapers, magazines and television), with few exceptions, are more attentive to politics and what gives them a higher and more immediate rating. Unfortunately, art does not.

In regards to the teaching of the arts, which is another topic, but which is linked to the cultural evolution of my country, I must point out that there are several universities that connect students with the arts in their curriculum. Perhaps the oldest is the Faculty of Fine Arts of the Central University, which is a continuation of what was the School of Fine Arts of Quito (capital city), founded in 1904.


A few years ago the University of the Arts was founded in the city of Guayaquil, as a higher educational institution that aims to generate a transformation of the new paradigm of my country. In the initial process it was essential to anchor the conceptual frameworks and pedagogical frameworks that crystallize the university institutionality in all its components.The determination of the conceptual framework sought to overcome the supreme conception of art or "great art" by nullifying and subordinating non-Western popular or ancestral cultures. In the case of Ecuador, there is a wide variety of non-articulated cultural movements, which have nevertheless generated this critical position vis-à-vis the arts. In any case, this University tends to create links with the community. 

From this perspective, important challenges are assumed, such as training professionals in the arts with full mastery of their field, critical thinking and transforming social awareness; It has also set out to be an art broadcaster, with international projection.The third most important city in my country is Cuenca, located to the south, and which has a Faculty of Arts and also more local museums. But this city has an important milestone and it is the Painting Biennial, which has already become a benchmark for art, as it has been incorporating new actors, from different countries of the world, raising awareness on crucial issues of contemporary life.

In any case, at the present time both educational institutions, as well as museums and galleries are closed, with few exceptions, and we hope that gradually, towards the end of the year, things will return to a certain normality in the art development. But it is clear that social networks and digital media are already part of the artistic development in my country.

Miguel Betancourt



La pandémie et l'enfermement ont profondément affecté l'Équateur, où la grande majorité des artistes et des responsables culturels sont des travailleurs indépendants, qui ont des affectations temporaires sans accès à la sécurité sociale.


Au niveau international, l'UNESCO et plusieurs organisations multilatérales ont souligné l'importance de la culture et des arts dans la pandémie et la nécessité de soutenir les travailleurs culturels dans cette situation difficile. En Équateur, le Ministère de la Culture  a tenté de générer du soutien, sans succès, en raison d'énormes difficultés économiques et à un moment difficile de conjoncture politique, car un changement de gouvernement aura lieu prochainement.

L'art équatorien a succombé aux réseaux sociaux numériques pour éviter les effets du Covid-19, qui a forcé les cinémas, les théâtres, les galeries et les musées à fermer leurs portes. De nombreux artistes, privés de revenus, tentent de survivre avec leurs spectacles et expositions en ligne. Les expositions en présentiel en Équateur, à quelques exceptions près, ont définitivement cédé la place au format virtuel. Ces expositions en ligne sont une option qui ne remplace guère les expositions  face à face, où l'on est non seulement confronté à l'œuvre d'art, mais aussi à l'être humain.

Comme on l'a dit, le monde virtuel est devenu l'un des meilleurs alliés des espaces artistiques et culturels. Plusieurs galeries d'art et musées du pays l'utilisent comme alternative pour montrer au public le travail des artistes.

À Quito, la ville où je vis, il y a quelques galeries qui rassemblent des œuvres de jeunes artistes «émergents», avec des expositions en présentiel et virtuelles.

 Les premiers sont ouverts à certaines heures et avec un nombre limité de visiteurs. Alors que dans les autres, la majorité, la visite comprend une sorte de carte d'identité virtuelle, à travers laquelle le nom de l'auteur de l'œuvre et les détails de l'œuvre peuvent être connus. Dans la visite de cette galerie, le visiteur peut trouver des œuvres de différents formats, y compris des sculptures, des photographies et des peintures. Il existe des propositions numériques pour encourager l'achat d'art, avec des prix plutôt réduits, mais dans tous les cas, il y a une interaction efficace entre le public et les artistes. Par conséquent, cela donne lieu à la configuration d'un petit marché de l'art, notamment à Guayaquil, la ville la plus peuplée de l'Équateur, qui se trouve sur la côte pacifique.

De son côté, la Maison de la culture équatorienne (CCE), qui est un musée d'art national et latino-américain, a créé une galerie virtuelle nationale, un espace pour les artistes nationaux et est devenue une autre alternative pour que les gens connaissent le travail des créateurs des différentes régions de l'Équateur. Chaque exposition est accessible via le site Web du CCE; il comprend un texte d'introduction rédigé par les conservateurs du Musée, qui fait le point sur la vie et l'œuvre de l'artiste, ainsi qu'une série d'œuvres sélectionnées. Il y a aussi une cérémonie d'ouverture dans une session zoom avec la présence de personnes intéressées par l'événement. Il est clair qu'il s'agit davantage d'un travail de diffusion culturelle.

Il faut également noter que les artistes équatoriens utilisent Instagram et Facebook, transformant ces réseaux en une sorte de galerie virtuelle. Dans certains cas, grâce à ces moyens, l'inclusion de notre travail dans des galeries internationales a été réalisée. Et c'est un développement positif réalisé précisément à ce moment de la pandémie. Malheureusement, la presse n'a guère contribué à la diffusion de l'art. Les médias (journaux, magazines et télévision), à quelques exceptions près, sont plus attentifs à la politique et à ce qui peut leur donner une cote plus élevée et plus immédiate. Malheureusement, ce n'est pas le cas de l'art.

En ce qui concerne l’enseignement des arts, qui est un autre sujet, mais qui est lié à l’évolution culturelle de mon pays, je dois souligner qu’il existe plusieurs universités qui relient les étudiants aux arts dans leur cursus. La plus ancienne est peut-être la Faculté des Beaux-Arts de l'Université Centrale, qui fait suite à ce qui était l'École des Beaux-Arts de Quito (capitale), fondée en 1904.

Il y a quelques années, l'Université des Arts a été fondée dans la ville de Guayaquil, en tant qu'établissement d'enseignement supérieur qui vise à générer une transformation du nouveau paradigme de mon pays. Dans le processus initial, il était essentiel d'ancrer les cadres conceptuels et les cadres pédagogiques qui cristallisent l'institutionnalité universitaire dans toutes ses composantes.

La détermination du cadre conceptuel a cherché à surmonter la conception suprême de l'art ou du «grand art» en annulant et en subordonnant les cultures populaires ou ancestrales non occidentales. Dans le cas de l'Équateur, il existe une grande variété de mouvements culturels non articulés, qui ont néanmoins généré cette position critique vis-à-vis des arts. Dans tous les cas, cette université a tendance à créer des liens avec la communauté. Dans cette perspective, des défis importants sont assumés, tels que la formation de professionnels des arts avec une maîtrise totale de leur domaine, la pensée critique et la transformation de la conscience sociale; Il s'est également donné pour mission d'être un diffuseur d'art, avec une projection internationale.

La troisième ville la plus importante de mon pays est Cuenca, située au sud, et qui possède une faculté des arts et également davantage de musées locaux. Mais cette ville a une étape importante et c'est la Biennale de Peinture, qui est déjà devenue une référence pour l'art, car elle a incorporé de nouveaux acteurs, de différents pays du monde, sensibilisant sur des questions cruciales de la vie contemporaine.

En tout cas, à l'heure actuelle, les deux établissements d'enseignement, ainsi que les musées et galeries sont fermés, à quelques exceptions près, et nous espérons que progressivement, vers la fin de l'année, les choses reviendront à une certaine normalité dans le développement de l'art. Mais il est clair que les réseaux sociaux et les médias numériques font déjà partie du développement artistique de mon pays.

Mahmoud ELkouriny

Mahmoud Elkouriny
Mahmoud Elkouriny

From inside the cell of art in Corona Prison


What awaits art in the Middle East ........!!!!!!?


The countries of the world witnessed a state of turmoil and confusion as a result of the outbreak of the Corona epidemic that affected all political, economic and social life activities. So that the literature, art, theater, singing, culture, education, sports and media sectors take their share as a result of imposing health conditions, and for the requirements of prevention, (social distancing) was one of the most important influences imposed on individuals' gatherings.

Accordingly, all activities of these creative sectors were canceled, restricted and postponed from presenting their literary, artistic, theatrical, cinematic, sports, book and art shows and festivals And to further notice, and because these areas in which creativity and display of their masterpieces cannot be presented in isolation from what is happening around their surroundings; By the fact that their actions are nothing but reactions to urgent changes occurring in the world and its environment by the effect and influence that appear in its characteristics from these fields is art.

Influenced by art

Certainly, the field of art has been greatly affected by that pandemic, at a time when art was a link between different peoples and a means of understanding the other and bringing them closer together through international exhibitions, events and conferences, through convergence and association, so we were surprised by this pandemic that calls for divergence .........


Creative domains live the reality of (trauma) as all of the earth's societies live. Reactions that may not appear evident in their innovations presented at this stage until the concepts produced by the effects of the (Corona) pandemic on (the international system) and what it will bring about and what will happen in terms of societal and political changes that will take place.

Then - inevitably - it will have actual reflections, emotions, actions and reactions that determine the features of the trends and methods developed in the nature of the (art and literature) creative movement associated with these changes, because any reading of the history of (art and literature) will find that the creative movements that exploded through (modern schools of art) It is the result of social, political and economic changes. Which came as a result of the (Industrial Revolution) that exploded in the (Enlightenment) in the middle (seventeenth century) and beyond; Which had a prominent role in bringing about radical changes in the international system, so artists, writers and creators rebelled against the old methods of (art and literature) and created concepts and kept up with urbanization and its aspirations with multiple art schools and schools of thought.


Inevitably, what will happen from the changes that will occur in the (international system) that is living today the reality of the (psychological trauma) of the (Corona) pandemic. The scene of peoples' lives was confused and afflicted by a kind of stalemate and paralysis affecting the core of their social facilities, after the public life of all human societies on our planet entered the circle of voluntary and compulsory preventive quarantine, and this is what led the creators to (isolation) to devote themselves to contemplation and to analyze what is happening around them of the manifestations Get used to it.

To establish in him strange social behaviors imposed by (preventive social distancing), to show in all (societies) a culture alien to the natures that had been entrenched in the minds of man, societies and human civilization. As this culture reflected psychological trauma. Creative people will wake up from it with creations that reflect this bitter reality in various fields of life. To create (modernist) expressions from them that will change many concepts (art and literature) and will be renewed and will add to them with the reflections of the scenes of the catastrophic crisis that befell humankind with the (Corona) pandemic, considering (art and literature) a reflection of the variables.

Repercussions of the Corona pandemic in the Middle East

In the year 2020, all artistic events and literary forums in the region were suspended, which negatively affected the cultural movement .... It is clear that the widespread cancellation of concerts, film festivals and art exhibitions has destroyed the Arab cultural agenda for 2020 and perhaps the following year.

Cancel or suspend live events

The season is usually busy with artistic events, with dialogues, art galleries, exhibitions and biennales taking place. But events such as the Sharjah Annual Meeting in March, the first Jeddah Film Festival and Art Dubai have been canceled, postponed or reformatted hastily as digital-only events as the scale of the Covid-19 pandemic becomes clear.

Likewise, book releases and author tours have been canceled due to travel restrictions. This year's events have been canceled, and the Abu Dhabi International Book Fair has been postponed, ...........

Virtual exhibitions

For musicians and artists, concerts have taken over the internet as artists set up live sessions on Instagram to help boost morale.

For the visual arts, the artists deal with the question of what that might mean for their work and long-term careers as both commercial and exhibition opportunities have been postponed, or canceled altogether. A potential sales shortfall is at the core of many artists' concerns, and galleries run the risk of not being able to cover necessary expenses such as rent due to being forced to close for the time being. On the popular level, life paths remain unchanged.

Some institutions and galleries have created new opportunities for viewing exhibitions, and converting their websites into online exhibition platforms. By adding some necessary entertainment and fun

Influenced by the economic movement of art.


Since its outbreak, the Corona virus continues to wreak havoc in the global economy until it paralyzed it, as it has obstructed production, supply and air transport across the world, weakened global demand, isolated countries and placed them under quarantine, and others under curfew, and hit the financial, aviation, transport and tourism sectors with heavy losses.

The sudden economic turmoil caused by the new coronavirus is devastating, for example, the field of art is an indicator of the losses that hit the economic sectors, there will be no booming sales of art in economically suffering societies, which negatively affects the artist and the artistic production.


Despite this, the state of "uncertainty" spoils the global economic scenarios in 2021, according to experts in the economic field, where experts agreed, that "the conditions the world is going through are abnormal and unusual conditions, neither of our generations nor previous generations have lived with the problem of restriction." The economy, the arts and the citizen movement, "explaining that" the movement of citizens and consumption is what drives and moves art, and therefore when the closure occurred in 2020, there was a significant decline in artistic output. "

Art and literature spring from the womb of crises, suffering, wars and epidemics.

Art and literature that emerges from the womb of crises, suffering, wars and epidemics is a committed art and literature that expresses its distinction and creativity for the human psyche in which the windows of life open to nourish humanity's sense of this overflowing spirit with transcendence to alleviate human suffering and enhance self-hope to overcome difficulties and build the future with strength of will, confrontation and awareness. Individuals and society with the crises and events that occur around the world, and this is the message of art and literature, especially at this stage in which the Corona epidemic is spreading, which kills millions of human lives.

That the creators of artistic, literary, cultural and intellectual works have influences, capabilities, skills, technology and tools. They may exploit it to spread awareness and precautionary methods to prevent the Corona epidemic or from the rest of the deadly epidemics. By presenting topics with expressions that suggest to the recipient the extent of the cruelty of the epidemic, the brutality of death and its ghost that clouded human societies. And such works, although we had previously sought their cruelty in immortal works immortalized by artists and writers pioneering in the way our civilization has known and lived through the ages, such as the tragedies left by the plague, tuberculosis and cholera, and the literary and artistic creative movements embodied those tragedies with immortal works and masterpieces. As her creative works fed those tragic topics into works and creations, as art and literature were affected by those disasters as a source from which literature and art nourished.

And with their effects, many artistic and literary movements were created that expressed the truth of those events, and which are those works that were presented in the field of literature and art as a documentation of those painful stages that passed through human history.


With the preservation of many of those events that were immortalized in the works of artists for those stages of history replete with creativity related to the depth of society's issues and which are still vibrating with these events so that those looking for them can receive them with emotion and great influence in the soul for the sincerity of their topics and the manner of their presentation Because these works genuinely expressed reality, and were not superficial. Because what is not addressed with feelings and sincere expression will disappear with the passing of time, the passage of the crisis, and the disappearance of the event; Because art and literature did not crystallize comprehensible except through documentation and daily facts of conflicts, plagues, wars and victories.

Thus, art and literature have documented these events since ancient times, and we have sought this in monuments, cave drawings, sculptures, stone embodiments, and digital writings written on clay tablets. Since these methods were an expressive language for that stage, so that the relationship of art and literature continues to document and record events and crises through the ages, as was the case for the Assyrian civilization with their wonderful sculptures, statues, drawings and literary writings written in cuneiform on clay tablets, expressing everything that happened in their era.

The same is true of the Pharaonic, Greek and Roman civilizations, and art and literature continued in various stages of ancient, modern and contemporary history, monitoring events, epidemics and battles. So that what has been documented in the history of literature and the arts is the best witness to what has passed in history of events that have been documented in various literary and artistic expressions.


Today, that same scenario is being repeated even though the effects of the economic situation have negatively affected artistic, literary, theatrical and cinematic activities. Therefore, the imam of contemporary creators in this epidemic stage of Corona only discovered the virtual world via the Internet in order to express their feelings and frustration following the outbreak of the deadly Corona epidemic; Which led to the massive closure of all areas of life on our planet.

That is why the creators turned to a different form from what we used to see or read through the previous stages of history, so the interface of the creators in the world of art and literature was to breathe through the Internet, as this technological world provided large space spaces that exceeded the limits of the great closure, enabling artists and writers to break the state of paralysis and stagnation left by the pandemic Corona in the artistic, literary, cultural, educational and educational circles, and a gradual return to activity through the virtual world (the Internet) and social networking sites; Although the works presented in the field of art and literature did not result in that feeling emanating from the consciousness and inner conscience of the terrified man about the epidemic that we have seen in the works of ancient art and literature following the spread of epidemics, but it is certain that the creators still live under the state of psychological trauma left by the Corona pandemic in societies, Because art and literature cannot - in any way - separate their reality from the reality of societies, their pain and their tragedies. Because literature and art are nothing but a translation of feelings and the language of human feelings that provide us with and increase our awareness, awareness and clarity and give us a deep understanding of all things that surround us, and that is why literature and art are worlds that deal with everything in life that affects human feelings and feelings;


Therefore works of literature and art come from these depths and are executed at the same depths through realistic expression expressing self-sincerity and feelings towards humanity to achieve the greatest degree of balance between motives, desires, feelings and reason. That is, between form and substance.

Because artists and writers strike a balance between freedom and responsibility. Not being stripped of moral and social responsibility for what they provide; Thinking, will, feeling and feelings are what lead us to the beauty in which the content resides in the authenticity of the meaning presented with splendor.

Mahmoud Elkouriny


De l'intérieur de la cellule d'art de la prison de Corona


Qu'est-ce qui attend l'art au Moyen-Orient ........ !!!!!!?


Les pays du monde ont été témoins d'un état de troubles et de confusion à la suite de l'éclosion de l'épidémie de Corona qui a affecté toutes les activités de la vie politique, économique et sociale. Pour que les secteurs de  littérature, d'art, du théâtre, du chant, de la culture, de l'éducation, du sport et des médias prennent leur part de responsabilité, du fait de l'imposition de conditions sanitaires, et pour les exigences de la distanciation sociale, les rassemblements des individus ont été supprimés.

En conséquence, toutes les activités de ces secteurs créatifs ont été annulées, restreintes ou reportées : la présentation des expositions, les festivals littéraires, artistiques, théâtraux, cinématographiques, sportifs et les foires de livres.

 C'est un fait que dans ces domaines, dans lesquels la créativité et la présentation des œuvres ne peuvent pas être  indépendantes de ce qui se passe dans leur environnement, car  leurs actions ne sont rien d'autre que des réactions aux changements urgents qui se produisent dans le monde et dans leur environnement. L'art existe par l'effet et l'influence qui apparaissent dans ces domaines.

Influencé par l'art 

Certes, le domaine de l'art a été fortement affecté par cette pandémie, à une époque où l'art était un lien entre différents peuples et un moyen de comprendre l'autre et de se rapprocher à travers des expositions, des événements et des conférences internationales, par la convergence et l'association. Nous avons donc été surpris par cette pandémie qui appelle à la divergence .........


Les domaines créatifs vivent la réalité du traumatisme comme toutes les sociétés de la terre. Des réactions qui peuvent ne pas paraître évidentes immédiatement au niveau des innovations, jusqu'à ce que les concepts produits par les effets de la pandémie (Corona) sur le système international et ce qu'elle entraîne en termes de changements sociétaux et politiques. Puis - inévitablement - il y aura des réflexions, des émotions, des actions et des réactions réelles qui détermineront des caractéristiques, des tendances et des méthodes développées  au niveau créatif (art et littérature) associé à ces changements, car toute histoire de l'art et de littérature  montre que les mouvements créatifs qui ont surgi à travers les écoles, sont le résultat de changements sociaux, politiques et économiques.

 Ce qui c'est produit  à la suite de la Révolution industrielle, ce qui a jailli  pendant les Lumières, au milieu du XVIIe siècle et au-delà. Ce qui a joué un rôle de premier plan dans la réalisation de changements radicaux dans le système international, de sorte que les artistes, écrivains et créateurs se sont rebellés contre les anciennes méthodes (art et littérature) et ont créé des nouveau concepts et ont suivi l'urbanisation  avec de multiples écoles d'art et écoles de pensée.

Que se passera-t-il inévitablement, quels changements se produiront dans le système international qui vit aujourd'hui la réalité du traumatisme psychologique de la pandémie (Corona) ? La vie des peuples était confuse et affligée par une sorte d'impasse et de paralysie affectant le cœur de leurs vie sociales, après que la vie publique de toutes les sociétés humaines de notre planète soit entrée dans le cercle de la quarantaine préventive volontaire ou obligatoire. 

C'est ce qui conduit les créateurs à l'isolement, à se consacrer à la contemplation et à analyser ce qui se passe autour d'eux. Observer d'étranges comportements sociaux imposés par distanciation sociale, montrer l'apparition d'une culture étrangère à la nature qui avait été ancrée dans l'esprit de l'homme, des sociétés et de la civilisation humaine.

 Comment cette culture refléterait un traumatisme psychologique.

 Les créateurs s'en réveilleront avec des créations qui reflètent cette réalité amère dans divers domaines de la vie. Il produiront à partir de là des nouvelles expressions   qui changeront de nombreux concepts (art et littérature) et seront renouvelés, et y ajouterons des reflets de scènes de la crise catastrophique qui a frappé l'humanité avec la pandémie.

Répercussions de la pandémie Corona au Moyen-Orient:

En 2020, tous les événements artistiques et les forums littéraires de la région ont été suspendus, ce qui a eu un impact négatif sur la vie culturelle... Il est clair que l'annulation généralisée des concerts, des festivals de films et des expositions d'art a détruit l'agenda culturel arabe pour 2020 et peut-être pour l'année suivante.

Annuler ou suspendre les événements en direct

Cette saison est généralement chargée d'événements artistiques, avec des dialogues, des galeries d'art, des expositions et des biennales. Mais des événements tels que la réunion annuelle de Sharjah en mars, le premier Festival du film de Jeddah et Art Dubai ont été annulés, reportés ou formatés à la hâte en tant qu'événements uniquement numériques alors que l'ampleur de la pandémie de Covid-19 devient claire.

De même, les sorties de livres et les visites des auteurs ont été annulées en raison de restrictions de voyages. Les événements de cette année ont été annulés et la Foire internationale du livre d'Abu Dhabi a été reportée, ...........

Expositions virtuelles

Pour les musiciens et les artistes, les concerts ont envahi Internet, les artistes organisant des sessions en direct sur Instagram pour aider à remonter le moral.

Pour les arts visuels, les artistes abordent la question de savoir ce que cela pourrait signifier pour leur travail et leur carrière, car les opportunités commerciales et d'exposition ont été reportées ou complètement annulées. Un éventuel déficit de ventes est au cœur des préoccupations de nombreux artistes, et les galeries courent le risque de ne pas être en mesure de couvrir les dépenses nécessaires, telles que le loyer. 

Certaines institutions et galeries ont créé de nouvelles opportunités pour visionner des expositions et convertir leurs sites Web en plates-formes d'exposition en ligne. En ajoutant du divertissement et du plaisir nécessaires.

Influencé par le mouvement économique de l'art

Depuis l'épidémie, le virus Corona continue de faire des ravages dans l'économie mondiale jusqu'à  la paralysie, car il a entravé la production, l'offre et le transport aérien à travers le monde, affaibli la demande mondiale, isolé les pays et les a placés en quarantaine, et d'autres sous couvre-feu, et frappé les secteurs de la finance, de l'aviation, des transports et du tourisme avec de lourdes pertes.

La crise économique soudaine causée par le nouveau coronavirus est dévastatrice, par exemple, le domaine de l'art est un indicateur des pertes qui frappent les secteurs économiques, il n'y aura pas de ventes d'art en plein essor dans des sociétés économiquement en souffrance, ce qui affecte négativement les artistes et la production artistique.


L'état d '«incertitude» gâche les scénarios économiques mondiaux en 2021, selon des experts du domaine économique, qui s'accordent à dire que «les conditions que traverse le monde sont des conditions anormales et inhabituelles, que nos générations ni les générations précédentes n'ont vécu de telles restrictions. Ils expliquent que "le mouvement des citoyens et de la consommation est ce qui anime et fait circuler l'art, et donc que lors de la fermeture en 2020, il y a eu une baisse significative de la production artistique. "

L'art et la littérature naissent du ventre des crises, des souffrances, des guerres et des épidémies:

L'art et la littérature qui émergent du sein des crises, des souffrances, des guerres et des épidémies sont un art et une littérature engagés qui expriment leur créativité par la psyché humaine dans laquelle les fenêtres de la vie s'ouvrent pour nourrir le sens de l'humanité, de cet esprit débordant avec transcendance pour alléger la souffrance humaine et renforcer l'espoir, pour surmonter les difficultés et construire l'avenir avec force de volonté et prise de conscience. 

Les individus et la société, avec les crises et les événements qui se produisent dans le monde, ont besoin du message de l'art et de la littérature, en particulier à ce stade où l'épidémie de Corona se propage et qui tue des millions de vies humaines.

  Les créateurs d'œuvres artistiques, littéraires, culturelles et intellectuelles ont des influences, des capacités, des compétences, des technologies et des outils . Ils peuvent les exploiter pour diffuser des méthodes de sensibilisation et de précaution pour prévenir l'épidémie de Corona ou le residu des épidémies mortelles; Et ceci en présentant des sujets avec des expressions qui suggèrent  l'étendue de la cruauté de l'épidémie, la brutalité de la mort qui obscurcit les sociétés humaines. Nous avons déjà vu auparavant de telles œuvres  immortalisées par des artistes et des écrivains, montrant la manière dont notre civilisation a connu et vécu à travers les âges, telles que les tragédies laissées par la peste, la tuberculose et le choléra.  L'art et la littérature  étant affectés par ces catastrophes sont la source à partir de laquelle la littérature et l'art se nourrissaient.  

Mouvements artistiques et littéraires ont été créés et ont exprimé la vérité de ces événements, et ce sont ces œuvres qui ont été présentées dans le domaine de la littérature et de l'art comme une documentation de ces étapes douloureuses qui ont traversé l'histoire humaine. Avec la préservation de nombre de ces événements qui ont été immortalisés dans les œuvres des artistes, on peut les recevoir avec émotion par la sincérité de leurs sujets et la manière de leur présentation. Parce que ces œuvres exprimaient véritablement la réalité, et n'étaient pas superficielles. Parce que ce qui n'est pas abordé avec des sentiments et une expression sincère, disparaîtra avec le temps, le passage de la crise et la disparition de l'événement; 

Parce que l'art et la littérature ne se cristallisent de manière compréhensible qu'à travers la documentation et les faits quotidiens de conflits, de fléaux, de guerres et de victoires.

Ainsi, l'art et la littérature ont documenté ces événements depuis l'Antiquité, et nous les trouvons dans des monuments, des dessins rupestres, des sculptures, des incarnations en pierre et des écrits sur des tablettes d'argile. Puisque ces méthodes étaient un langage expressif, de sorte que la relation entre l'art et la littérature continue de documenter et d'enregistrer des événements et des crises à travers les âges, comme ce fut le cas pour la civilisation assyrienne avec leurs magnifiques sculptures, statues, dessins et écrits littéraires écrit en cunéiforme sur des tablettes d'argile, exprimant tout ce qui s'est passé à leur époque. 

Il en va de même pour les civilisations pharaonique, grecque et romaine, et l'art et la littérature se sont poursuivis à diverses étapes de l'histoire ancienne, moderne et contemporaine, surveillant les événements, les épidémies et les batailles. De sorte que ce qui a été documenté dans l'histoire de la littérature et des arts est le meilleur témoin de ce qui s'est passé dans l'histoire.  

Aujourd'hui, ce même scénario se répète, même si les effets de la conjoncture économique ont affecté négativement les activités artistiques, littéraires, théâtrales et cinématographiques. Par conséquent, des créateurs contemporains, en cette étape épidémique de Corona, ont découvert le monde virtuel via Internet afin d'exprimer leurs sentiments et leur frustration suite au déclenchement de l'épidémie mortelle de Corona.

 Ceci  a conduit à la fermeture massive de tous les domaines de la vie sur notre planète. C'est pourquoi les créateurs se sont tournés vers une forme différente de ce que nous avions l'habitude de voir ou de lire, de sorte que les créateurs dans le monde de l'art et de la littérature respirent à travers Internet, que le monde technologique fournit. C'est un grand espace qui dépasse les limites de la grande fermeture, permettant aux artistes et écrivains de briser l'état de paralysie et de stagnation laissé par la pandémie Corona dans les milieux artistiques, littéraires, culturels, éducatifs et éducatifs, et un retour progressif à l'activité à travers le monde virtuel (Internet) et sites de réseaux sociaux. 

Ainsi, les œuvres présentées dans le domaine de l'art et de la littérature, n'ont pas abouti à ce sentiment émanant de la conscience intérieure de l'homme terrifié par l'épidémie, comme ce que nous avons vu dans les œuvres d'art et de littérature anciens à la suite de la propagation des épidémies.

 Mais il est certain que les créateurs vivent encore dans  l'état de traumatisme psychologique laissé par la pandémie Corona, car l'art et la littérature ne peuvent en aucun cas se séparer de la réalité des sociétés, de  leurs souffrances et de leurs tragédies. Parce que la littérature et l'art ne sont rien d'autre qu'une traduction du langage des sentiments humains qui augmentent notre conscience  et notre clarté et nous donnent une compréhension profonde de tout ce qui nous entoure, et c'est pourquoi la littérature et l'art sont des mondes qui traitent de tout ce qui dans la vie affecte les sentiments humains.

 Par conséquent, les œuvres littéraires et artistiques proviennent de ces profondeurs et sont exécutées avec la même profondeur, à travers une expression réaliste, exprimant la sincérité et les sentiments envers l'humanité, pour atteindre le plus grand degré d'équilibre entre les motifs, les désirs, les sentiments et la raison. C'est-à-dire entre la forme et la substance. Parce que les artistes et les écrivains trouvent un équilibre entre liberté et responsabilité, n'étant pas dépouillé de la responsabilité morale et sociale de ce qu'ils fournissent. La pensée, la volonté et le sentiment  sont ce qui nous conduit à la beauté dans laquelle le contenu réside dans l'authenticité du sens présenté avec splendeur.

Miabo Enyadike

Miabo Enyadike
Miabo Enyadike

Good Evening to you all, Ladies and Gentlemen.

My name is Miabo Enyadike, a fine artist, an art lifestyle blogger and a workshop instructor.

I am from Nigeria but presently I reside in Johannesburg South Africa,where I live with my husband and Kids, so I am fortunate to practice my art in both my country Nigeria and South Africa. I am pleased to be here and be part of this ecosystem of artists at this time.  

As an Artist with an experience of over 28 years in the profession, this last year was a really trying year for Artists especially in my continent.But I will narrow it down to Nigeria where I am from and practise my art profession also. The artists in Nigeria were hit hard, they experienced a change in attitude from collectors who demanded half the prices for their works and huge debts and bills that had to be paid in order to sustain their creativity kept mounting, this made a lot of artists to sell their art for nothing just to survive.

 But what was most striking was the turn to the internet to buy art. That took a lot of artists in my country by surprise because as the galleries and collectors were buying at low prices from them directly, they realized they could make better sales from online galleries, exhibitions and websites. Their only problem though was the fees they had to pay. Those who were able to pay participation fees saw a means to an end.

This ignited a flurry of new art websites and a lot of Nigerian older artists joined social media, 

It was daunting for them initially but the results from what I gathered has been good. They have connected via the internet to artists, art galleries and collectors alike within the country, the continent and the world raking in cash that would have been difficult to get by just sending their works to brick and mortar galleries, who were also suffering during the lock down. 


So the pandemic has its good and bad sides regarding the Nigerian Artists, we can only hope that things will change and improve for the best

 Bonsoir à tous.

Je m'appelle Miabo Enyadike,  artiste,  blogueur et enseignante d'art.

Je viens du Nigéria, mais actuellement je réside à Johannesburg en Afrique du Sud, où je vis avec mon mari et mes enfants, j'ai donc la chance de pratiquer mon art dans mon pays, le Nigéria et en Afrique du Sud. Je suis heureuse d'être ici et de faire partie de cet écosystème d'artistes.

En tant qu'artiste avec une expérience de plus de 28 ans dans la profession, cette dernière année a été une année vraiment éprouvante pour les artistes, en particulier sur mon continent, mais je vais me limiter au Nigéria d'où je viens et où je pratique ma profession artistique également. Les artistes nigérians ont été durement touchés, ils ont connu un changement d'attitude de la part des collectionneurs qui exigeaient la moitié du prix de la vente de leurs œuvres et ont d'énormes dettes et les factures à payer pour maintenir leur créativité ne cessait de monter, ce qui a incité beaucoup d'artistes à vendre leur art pour rien, juste pour survivre.

 Mais ce qui a été le plus frappant, c'est le virage sur Internet pour l'achat de l'art. Cela a pris beaucoup d'artistes dans mon pays par surprise, car comme les galeries et les collectionneurs achetaient directement auprès d'eux à bas prix, ils ont réalisé qu'ils pouvaient faire de meilleures ventes grâce aux galeries, expositions et sites Web en ligne. Leur seul problème était les frais qu'ils devaient payer. Ceux qui ont pu payer les frais de participation ont vu un moyen d'y parvenir.

Cela a déclenché une vague de nouveaux sites Web d'art et de nombreux artistes nigérians plus âgés ont rejoint les médias sociaux,

C'était intimidant pour eux au début, mais les résultats de ce que j'ai recueilli sont bons. Ils se sont connectés via Internet à des artistes, des galeries d'art et des collectionneurs à la fois dans le pays, le continent et le monde en récoltant de l'argent qu'il aurait été difficile d'obtenir en envoyant simplement leurs œuvres à des galeries de brique et de mortier, qui souffraient également pendant le confinement.

La pandémie a donc ses bons et ses mauvais côtés en ce qui concerne les artistes nigérians, nous ne pouvons qu'espérer que les choses vont changer et s'améliorer pour le mieux.Je vous remercie.

Andreea Rus

Andreea Rus
Andreea Rus

About Romania and art in Romania, in short


Romania, located in Europe, is a country with cultural characteristics deeply rooted in the European cultural tradition.

The data regarding the geographical position of Romania are taken from https://en.wikipedia.org/wiki/Romania “Romania is a country located at the crossroads of Central, Eastern, and Southeastern Europe. It shares land borders with Bulgaria to the south, Ukraine to the north, Hungary to the west, Serbia to the southwest, and Moldova to the east and has its opening to the Black Sea.

It has a predominantly temperate-continental climate. With a total area of 238,397 km2 (92,046 sq mi), Romania is the twelfth-largest country in Europe and the sixth-most populous member state of the European Union, having approximately 19.3 million inhabitants (as of 2020). Its capital and largest city is Bucharest. Other major urban areas include Cluj-Napoca, Timisoara, Iasi, Constanta, Craiova, Brasov, and Galati. The Danube River, Europe’s second-longest river, rises in Germany’s Black Forest and flows in a generally southeasterly direction for 2,857 km (1,775 mi), coursing through ten countries before emptying into Romania’s Danube Delta. The Carpathian Mountains, which cross Romania from north to southwest, include Moldoveanu Peak, at an altitude of 2,544 m (8,346 ft).

Modern Romania was formed in 1859 through a personal union of the Danubian Principalities of Moldavia and Wallachia. The new state, officially named Romania since 1866, gained independence from the Ottoman Empire in 1877. ”

Romania after 1989, out of the communist regime, begins to develop in terms of the situation of contemporary art at a level aligned with international standards.

In today's Romania we meet a Museum of Contemporary Art, private galleries that participate in international art fairs, there are art biennials, national and international, contemporary art centers. There are several auction houses. National and international art exhibitions are organized.

There is still UAPR, the Union of Visual Artists in Romania, with headquarters in all major cities in the country, with workshops and exhibition galleries for artists.

The private galleries that participate more often in international fairs are Andreiana Mihail, Ivan, Anaid, Posibila, H'art, 2Meta (all from Bucharest), Zorzini Gallery and Plan B in Cluj, inaugurated in 2005, with another headquarters opened in 2008 in Berlin, with the support of the Romanian Cultural Institute in Berlin.

The artists from the Brush Factory from Cluj-Napoca are internationally recognized, for example Ciprian Mureșan, Mihuț Boșcu Kafchin, Mircea Cantor, Adrian Ghenie and others. See also

https://anamariaonisei.ro/top-20-de-galerii-de-arta-bucurestene-pe-care-trebuie-sa-le-descoperi/ According to the MNAC website https://www.mnac.ro/text/76/COLEC%C8%9AIA/6 we quote from the site the following “the exhibition Seeing the history 1947 - 2007 is designed as an open platform for presentation, analysis and debate , made on the principles of collective curatorship and destined for a continuous transformation through the accumulation of knowledge.


The history of contemporary art in Romania is revisited in an exhibition discourse that puts on the same plane the documentary and the artistic dimension, the production of cultural object and the context in which it took place in the permanent exhibition of the MNAC collection ”see video- Seeing History 1947 -2007, located on the first floor of the museum.


In Romania, the contemporary art market is young, it is developing progressively, better and better every year. “The Romanian art market represents a complex system, in which the activity in the field of art has a commercial character. This is a relatively new sector of the domestic economy, the main elements of which are: galleries, art salons, specialized publications, etc.

The Romanian art market, although it has remarkable results, is still in an emerging stage. This is considered to be a young market, and its horizon opened up a lot, especially in the years after the Revolution. In recent years, new galleries, auction houses, museums, new collectors have appeared. The emergence of private auction houses has a completely positive role. Thus, the art market in Romania is no longer the same as it was twenty years ago.

Museums, promotion galleries, art dealers and auction houses play important roles in the delicate process of setting fair quotas and prices for artists. ” (according to the article Romanian Art Market and its Problems, Dr. O. Percinschi, Scientific Journal No. 1-2016) See https://ibn.idsi.md/sites/default/files/imag_file/85_89_Piata%20de%20arta% 20contemporana% 20din% 20Romania% 20si% 20problemele% 20ei.pdf







Andreea Rus



 À propos de la Roumanie et de l'art en Roumanie, en bref


La Roumanie, située en Europe, est un pays aux caractéristiques culturelles profondément ancrées dans la tradition culturelle européenne.

Les données concernant la position géographique de la Roumanie sont tirées de https://en.wikipedia.org/wiki/Romania  «La Roumanie est un pays situé au carrefour de l'Europe centrale, orientale et du sud-est. Il partage des frontières terrestres avec la Bulgarie au sud, l'Ukraine au nord, la Hongrie à l'ouest, la Serbie au sud-ouest et la Moldavie à l'est et a son ouverture sur la mer Noire.

Il a un climat principalement tempéré-continental. Avec une superficie totale de 238397 km2 (92046 milles carrés), la Roumanie est le douzième plus grand pays d'Europe et le sixième État membre le plus peuplé de l'Union européenne, avec environ 19,3 millions d'habitants (en 2020). Sa capitale et plus grande ville est Bucarest. Les autres grandes zones urbaines comprennent Cluj-Napoca, Timisoara, Iasi, Constanta, Craiova, Brasov et Galati. Le Danube, le deuxième plus long fleuve d’Europe, prend sa source dans la Forêt-Noire d’Allemagne et coule généralement vers le sud-est sur 2 857 km (1 775 mi), traversant dix pays avant de se jeter dans le delta du Danube en Roumanie. Les montagnes des Carpates, qui traversent la Roumanie du nord au sud-ouest, comprennent le pic Moldoveanu, à une altitude de 2 544 m (8 346 pieds).

La Roumanie moderne a été formée en 1859 par une union personnelle des principautés danubiennes de Moldavie et de Valachie. Le nouvel État, officiellement nommé Roumanie depuis 1866, a obtenu son indépendance de l'Empire ottoman en 1877. »

La Roumanie après 1989, sortie du régime communiste, commence à se développer en termes de situation de l'art contemporain à un niveau aligné sur les standards internationaux.

Dans la Roumanie d'aujourd'hui, nous rencontrons un musée d'art contemporain, des galeries privées qui participent à des foires d'art internationales, des biennales d'art, des centres d'art contemporain nationaux et internationaux. Il existe plusieurs maisons de ventes aux enchères. Des expositions d'art nationales et internationales sont organisées.

Il existe toujours l'UAPR, l'Union des artistes visuels de Roumanie, qui a son siège dans toutes les grandes villes du pays, avec des ateliers et des galeries d'exposition pour les artistes.

Les galeries privées qui participent le plus souvent aux foires internationales sont Andreiana Mihail, Ivan, Anaid, Posibila, H'art, 2Meta (toutes de Bucarest), Zorzini Gallery et Plan B à Cluj, inauguré en 2005, avec un autre siège ouvert en 2008 à Berlin, avec le soutien de l'Institut culturel roumain de Berlin.

Les artistes de la Brush Factory de Cluj-Napoca sont internationalement reconnus, par exemple Ciprian Mureșan, Mihuț Boșcu Kafchin, Mircea Cantor, Adrian Ghenie et d'autres. Voir également

https://anamariaonisei.ro/top-20-de-galerii-de-arta-bucurestene-pe-care-trebuie-sa-le-descoperi/ D'après le site Web du MNAC https://www.mnac.ro/text/76/COLEC%C8%9AIA/6, nous citons à partir du site ce qui suit: «l'exposition Seeing the history 1947 - 2007 est conçue comme une plate-forme ouverte de présentation , analyse et débat, faite sur les principes de la curatelle collective et destinée à une transformation continue par l'accumulation de connaissances. L'histoire de l'art contemporain en Roumanie est revisitée dans un discours d'exposition qui met sur le même plan la dimension documentaire et artistique, la production d'un objet culturel et le contexte dans lequel il s'est déroulé dans l'exposition permanente de la collection MNAC »voir vidéo - Seeing History 1947 -2007, situé au premier étage du musée.


En Roumanie, le marché de l'art contemporain est jeune, il se développe progressivement, de mieux en mieux chaque année. «Le marché de l'art roumain représente un système complexe, dans lequel l'activité dans le domaine de l'art a un caractère commercial. Il s'agit d'un secteur relativement nouveau de l'économie nationale, dont les principaux éléments sont: les galeries, les salons d'art, les publications spécialisées, etc. Le marché de l'art roumain, bien qu'il ait des résultats remarquables, est encore à un stade émergent. Ceci est considéré comme un marché jeune, et son horizon s'est beaucoup ouvert, surtout dans les années qui ont suivi la Révolution. Ces dernières années, de nouvelles galeries, des maisons de ventes, des musées, de nouveaux collectionneurs sont apparus. L'émergence des maisons de ventes privées a un rôle tout à fait positif. Ainsi, le marché de l'art en Roumanie n'est plus le même qu'il y a vingt ans. Les musées, les galeries de promotion, les marchands d’art et les maisons de ventes jouent un rôle important dans le processus délicat de fixation de quotas et de prix équitables pour les artistes. » (d'après l'article Marché de l'art roumain et ses problèmes, Dr O. Percinschi, Journal scientifique n ° 1-2016) Voir https://ibn.idsi.md/sites/default/files/imag_file/85_89_Piata%20de%20arta % 20contemporana% 20din% 20Romania% 20si% 20problemele% 20ei.pdf











Senol Sak

Turkish Art, (History) 


The Turks, who lived in Central Asia and are one of the most rooted nations in history, have a history dating back to 5000 years. Turks, whose basic means of income are livestock, have climbed to high plateaus in the summer due to the extreme heat of the region they live in and the lack of sufficient water and pastures.

As a result of this lifestyle, the Turks, who adorn the tents they carry with them, the riders and harnesses they regularly use, leather belts, weapons, textile and metal goods, have created a unique sense of art.


Turkish painting is composed of wall paintings and miniatures, which are stylized depictions in terms of color, space and perspective, made with traditional techniques until the 19th century. In this period, the desire to live in the Western style, which intensified in parallel with the developments in the economic, political, social and military fields in the Ottoman Empire, also had its effect on the art of painting. 


Artists  who were sent to Paris by the School of Fine Arts, and Namık İsmail, who went with their own means, had to return with the beginning of the First World War. These painters have been named as "14th Generation", "Çallı Generation" or "Turkish Impressionists" in Turkish painting history.  The 14th Generation brought impressionism to Turkish painting when they returned from Europe.

Some painters  who grew up in Bedri Rahmi Eyüboğlu Atelier, founded the " 10's Group" in 1947. After opening their first exhibitions in the academy halls in 1946, they were supported by a wide audience and aimed to benefit from the values of both Western and Eastern art and reach a new synthesis. The group argued that Turkish painting, which had a strong place in the art of painting until 1955, should be composed of carpets, miniatures, embroidery and Turkish motifs that belong to our own. 

 The first examples of abstract painting in Turkey coincided with the 1950s. Painting works adopting the social realism with the acceleration of social and political change in Turkey after 1950 has been started. The painters depicted the suffering life of the Anatolian people living under difficult economic and social conditions with exaggerated bodies and expressions

 The general style character of Turkish painting in the 1960’s was shaped within the framework of abstract art movements. The artists, who took part in these abstract movements that were active in the 1960s, developed their own understanding of figure and presented a dialectical understanding different from the processes of styles in Europe. This understanding, which will be further dimensioned with new trends during the 1970s, paved the way for the Turkish official modernization to continue in line with the era. 

The new figurative painting is announcing itself as individual exits. The new figure interpretation, which was handled by Turkish painters in the 1960s, started to reach its full expression  by opposing traditional values. This trend has shown its development in two directions. These are expressionist - surrealist narration and social critical realist narration. New figurative artists work in style differences.


Today in Turkey are  especially contemporary art events in the big cities Ankara, İzmir and   Istanbul . Made every year and repeated this year for the 7th time "Ankara Art Fair" is the most comprehensive contemporary art events in Anatolia .. The "Istanbul Biennial", which is repeated every 4 years in Istanbul, and the "Istanbul Art Fair", "Istanbul Contemporary", which are repeated every year, are the most important events that can be given in this category.   

The seeds of Istanbul Modern were laid in 1987, at the 1st International Contemporary Art Exhibitions, today's International Istanbul Biennial. The founder of the Istanbul Foundation for Culture and Arts, Dr. Nejat F. Eczacıbaşı took action to establish a permanent modern art museum in Istanbul. After a long search, Feshane, which was an industrial area of the 19th century in the Golden Horn, was transformed into a contemporary art museum. 

Senol Sak

 Art turc, (Histoire)


Les Turcs, qui ont vécu en Asie centrale et sont l'une des nations les plus enracinées de l'histoire, qui remonte à 5000 ans. Les Turcs, dont le revenu de base est l'élevage, se sont installés sur les hauts plateaux en été en raison de la chaleur extrême de la région et du manque d'eau et de pâturages.

Grâce à ce style de vie, les Turcs, qui ornent les tentes qu'ils emportent avec eux,  les harnais qu'ils utilisent régulièrement, les ceintures en cuir, les armes, les produits textiles et métalliques, ont créé un sens de l'art unique.

La peinture turque est composée de peintures murales et de miniatures, qui sont des représentations stylisées en termes de couleur, d'espace et de perspective, réalisées avec des techniques traditionnelles jusqu'au XIXe siècle. A cette époque, le désir de vivre à l'occidentale, qui s'intensifie parallèlement aux développements dans les domaines économique, politique, social et militaire de l'Empire ottoman, eut également son effet sur l'art de la peinture.


Les artistes envoyés à Paris par l'École des Beaux-Arts et ceux qui y sont allés avec leurs propres moyens, ont dû revenir aux début de la Première Guerre mondiale. Ces peintres ont été nommés «14e génération», «génération Çallı» ou «impressionnistes turcs» dans l'histoire de la peinture turque. La 14e génération a apporté l'impressionnisme à la peinture turque à son retour d'Europe.


Certains peintres qui ont grandi dans l'atelier Bedri Rahmi Eyüboğlu, ont fondé le «Groupe des 10» en 1947. Après avoir ouvert leurs premières expositions dans les salles de l'académie en 1946, ils ont été soutenus par un large public et ont voulu profiter des valeurs des deux, d'art occidental et oriental et atteindre une nouvelle synthèse. Le groupe a fait valoir que la peinture turque, qui a eu une place forte dans l'art de la peinture jusqu'en 1955, devrait être composée de tapis, de miniatures, de broderies et de motifs turcs qui leur appartiennait.

 Les premiers exemples de peinture abstraite en Turquie ont coïncidé avec les années 1950. Des œuvres de peinture adoptant le réalisme social avec l'accélération du changement social et politique en Turquie après 1950 ont été lancées. Les peintres ont dépeint la vie dure du peuple anatolien vivant dans des conditions économiques et sociales difficiles representant des corps et des expressions exagérés.

 Le caractère général de la peinture turque dans les années 1960 a été façonné dans le cadre des mouvements de l’art abstrait. Les artistes, qui ont participé à ces mouvements abstraits actifs dans les années 1960, ont développé leur propre compréhension de la figure et présenté une compréhension dialectique différente des processus de styles en Europe. Cette compréhension, qui sera davantage renforcé avec les nouvelles tendances au cours des années 1970, a ouvert la voie à la modernisation officielle turque pour se poursuivre conformément à l'époque.

La nouvelle peinture figurative s'annonce comme des solutions individuelles. La nouvelle interprétation des figures, gérée par les peintres turcs dans les années 1960, a commencé à atteindre sa pleine expression en s'opposant aux valeurs traditionnelles. Cette tendance a montré son évolution dans deux directions.  une narration expressionniste - surréaliste et une narration réaliste et critique sociale. Les nouveaux artistes figuratifs travaillent dans de différents styles.


Aujourd'hui en Turquie dominent surtout des événements d'art contemporain dans les grandes villes d'Ankara, Izmir et Istanbul. Réalisée chaque année et répétée cette année pour la 7ème fois,"Ankara Art Fair" est l'événement d'art contemporain le plus complet d'Anatolie. La "Biennale d'Istanbul", qui se répète tous les 4 ans à Istanbul, et la "Istanbul Art Fair", "Istanbul Contemporary", qui es annule, sont les événements les plus importants  dans cette catégorie.


Les bases d'Istanbul Modern ont été jetées en 1987, lors de la première exposition internationale d'art contemporain, aujourd'hui Biennale internationale d'Istanbul. Le fondateur de la Fondation d'Istanbul pour la culture et les arts, le Dr Nejat F. Eczacıbaşı a pris des mesures pour créer un musée d'art moderne permanent à Istanbul. Après de longues recherches, Feshane, qui était une zone industrielle du XIXe siècle dans la Corne d'Or, a été transformée en musée d'art contemporain.

beatrice rodaro

Art during the pandemic


We are in a situation undoubtedly unprecedented, in the practice of our art as in the development of our daily life. I think any situation unprecedented, breaks our spotting, especially if it lasts over time as it does.

We are starting to wonder how we could live otherwise ... since the way we have lived has brought us to the present situation.

What almost inevitably happens to us when we conclude that things must change, that we will no longer be able to experience how before, that the "world after" must be different. Different, sure, but how should it be?

I think most of us have made discoveries and finds in this period of isolation, to stay in the workshop, to reflect ... that we have improved our know-how because we are artists and creation is the heart of our profession.

We have used the massive means of computer communication to show our works, to put us in touch with each other, at least with those who we share the same ideals. Let's develop them, let's make the distance geographical is no longer the obstacle that was before. That the money needed for a long journey is no longer an obstacle to presenting his work at an exhibition, that our meetings can be carried out, like this one, that our lessons, our writings, can arrive at the most modest of artists. We are not rich in money, but we are very rich in inventiveness, it is our job to create. 

Let's rise to the challenge.

Béatrice Rodaro

L’art pendant la pandémie


Nous sommes dans une situation sans doute inédite, dans la pratique de notre art comme dans le développement de notre vie quotidienne. Je pense que toute situation inédite, casse nos repérés, surtout si elle perdure dans le temps comme c’est le cas.

Nous commençons a nous questionner comment pourrait on vivre autrement… puisque la manière que nous avons vécu nous a amené à la situation actuelle.

Ce que nous arrive d’une manière presque inéluctable à la conclusion que les choses doivent changer, qu’on ne pourra plus vivre comment avant, que le «monde d’ après» doit être autre, différent. Certes, mais comment doit-il être ?

Je pense que la plupart de nous avons fait des découvertes et des trouvailles dans ce période d’ isolement, de rester à l’atelier, à réfléchir… que nous avons amélioré notre savoir faire car nous sommes des artistes et la création est le cœur de notre métier.

Nous avons utilisé les moyens massifs de communication informatique pour montrer nos œuvres, pour nous mettre en contact les uns avec les autres, au moins avec ceux qui nous partageons les mêmes idéaux. Développons les, faisons que la distance géographique ne soit plus l’obstacle qui était avant. Que l’argent nécessaire pour un long voyage ne soit plus un obstacle pour présenter son œuvre à une exposition, que nos réunions puissent se réaliser, comme celle-ci, que nos cours, nos écrits, puissent arriver au plus modeste des artistes. Nous ne sommes pas riches d’ argent, mais nous sommes très riches d’ inventivité, c’est notre métier la création. 

Soyons à l’ hauteur du défi.